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Qu'est-ce que la musicothérapie ?Très en vogue depuis quelques années, la musicothérapie a la particularité d’utiliser la musique comme moyen thérapeutique. Dans cette fiche, vous découvrirez ce qu’est la musicothérapie en détail, ses principes, son histoire, ses bienfaits, comment se déroule une séance, et comment se former en musicothérapie est une forme de thérapie qui utilise la musique comme un moyen de soigner ou de répondre à une problématique donnée. Parce qu’elle atteint les individus au cœur d’eux-mêmes », la musique constitue un moyen d’expression privilégié, qui permet à l’individu de faire sortir » ses souffrances et ses émotions. Ainsi, en musicothérapie, les sons et les rythmes deviennent des instruments pour augmenter sa créativité, reprendre contact avec soi et traiter divers problèmes de santé. En tant qu’outil de croissance personnelle, la musique permet d’accroître son dynamisme ainsi que d’améliorer ses capacités cognitives attention, mémoire, psychomotrices agilité, coordination, mobilité et soci-affectives. Bien que la musicothérapie ait été réservée, à ses débuts, à la psychothérapie, ses visées thérapeutiques se sont depuis beaucoup élargies. Qui plus est, aucune connaissance musicale n’est nécessaire pour tirer profit de la grands principesL'évaluation tout le monde est-il réceptif à la musique ?Certains individus sont plus sensibles à la musique que d'autres et les émotions ressenties face à une musique donnée ne sont pas toujours les mêmes pour deux individus différents. Une étude portant sur 30 sujets a révélé que près de 5% d'entre eux ne seraient pas sensibles à la musique et ne ressentiraient aucun plaisir à en écouter, on parle alors d’anhédonie musicale. Les études par imagerie médicale ont révélé que chez ces individus, les connexions entre les régions liées à la récompense et celles liées au traitement sonore étaient plus faibles que chez les autres individus. Tout le monde n’est donc pas réceptif à la la personnalité, les affections et les objectifs des individus, le musicothérapeute peut se servir de deux musicothérapie active » facilite l’expression de soi. Elle privilégie des techniques d’intervention comme le chant, l’improvisation instrumentale ou gestuelle, la composition de chansons et l’exécution de mouvements rythmiques au son de la mode réceptif », l’écoute de la musique peut stimuler l’énergie créative et aider à accroître la concentration et la mémoire. La musique peut aussi faire surgir des émotions, parfois oubliées ou profondément enfouies. Le thérapeute pourra utiliser ces émotions pour enrichir la démarche thérapeutique, et mettre de nouveau la musique à bienfaits de la musicothérapieLes applications thérapeutiques de la musicothérapie sont très nombreuses. Mais il peut être difficile de savoir précisément dans quelle mesure ces effets sont directement attribuables à la musicothérapie. Les interventions choix de musique, durée de la séance, intensité, etc. et les mesures varient énormément d’une étude à l’autre. De plus, la taille des échantillons de la majorité des études est souvent insuffisante pour permettre de tirer des conclusions vraiment claires. Cela étant dit, les principales applications thérapeutiques de la musicothérapie ayant été évaluées par des études scientifiques méritent d’être présentées, voici une liste non exhaustive des bienfaits de la musicothérapie Améliorer l’humeurPlusieurs études indiquent que la musicothérapie peut contribuer à améliorer l’humeur, et ce, auprès de diverses populations. Elle aurait ainsi des effets positifs sur les patients hospitalisés en rendant le séjour à l’hôpital plus agréable pour eux comme pour les membres de leur famille. Elle limiterait les perturbations de l’humeur liées à l’autogreffe de cellules souches et contribuerait à améliorer l’humeur des travailleurs en soins de longue l’anxiétéEn raison de son effet physiologique, une musique relaxante peut atténuer la douleur et l’anxiété en faisait baisser le taux de cortisol une hormone associée au stress et en libérant des endorphines qui ont des propriétés à la fois calmantes, analgésiques et euphorisantes. La musicothérapie est recommandée comme adjuvant aux soins médicaux auprès des individus hospitalisés. En outre, des essais cliniques ont montré l’efficacité de la musicothérapie pour réduire l’anxiété en soins palliatifs, au cours de procédures médicales diverses en phases pré et postopératoires, dans la prise en charge de la lombalgie chronique et auprès de patients souffrant de troubles respiratoires ou de problèmes cardiaques. Cependant, la plupart des études n’ont pas relevé d’effet à long au soulagement de la douleurDe même que pour l’anxiété, de nombreux articles ont été publiés au sujet du soulagement de la douleur à l’aide de la musicothérapie. Elle contribuerait à diminuer l’utilisation de la morphine et d’autres sédatifs, anxiolytiques et analgésiques. De plus, elle permettrait une diminution de la perception de la douleur et une plus grande tolérance à celle-ci. Entre autres, des recherches ont rapporté une réduction des symptômes douloureux associés à l’arthrite rhumatoïde, aux troubles musculo-squelettiques et à l’arthrose. La musicothérapie s’est également révélée efficace contre la douleur chronique, les maux de dos et les maux de tête, ainsi que lors de soins palliatifs, post-anesthésiques, intensifs et néonatals. Elle a aussi été utile lors de chirurgie ou de procédures médicales la qualité de vie des personnes souffrant de schizophrénieDes résultats d’essais cliniques publiés en 2005 indiquent que la musicothérapie peut contribuer à améliorer l’état global, la santé mentale et le fonctionnement social des personnes atteintes de schizophrénie. Par exemple, les résultats d’un essai clinique ont révélé une diminution de l’isolement social ainsi qu’une augmentation de l’intérêt pour les événements externes et de l’habileté à dialoguer avec les autres. Pour le moment, la plupart des études ont constaté ces résultats à court et à moyen au soulagement de certains symptômes de l’autismeDes études ont fait état des effets positifs de la musicothérapie auprès des enfants et des adolescents dans le traitement de l’autisme. Les avantages rapportés sont notamment une augmentation des vocalisations, des verbalisations, des gestes, de la compréhension de vocabulaire, de l’attention liée à la tâche, des actes de communication, du jeu symbolique et des habiletés aux soins personnels, ainsi qu’une diminution de l’écholalie répétition automatique des phrases au fur et à mesure qu’on les entend. Les chercheurs ont aussi observé une amélioration de la conscience du corps et de la coordination, et une diminution de l’ le sommeilLes effets apaisants d’une musique douce – instrumentale ou chantée, enregistrée ou en direct – ont été observés à tous les âges de la vie. Selon les résultats d’études cliniques effectuées auprès de personnes âgées, la musicothérapie pourrait faciliter l’endormissement, diminuer le nombre de réveils, améliorer la qualité du sommeil et en augmenter la durée ainsi que l’ au développement de l’enfant et à l’amélioration des soins néonatalsLes résultats d’une méta-analyse auprès des enfants prématurés soulignent que cette approche peut contribuer à calmer le nourrisson, stimuler le développement du langage, augmenter la prise de poids et la tolérance à la stimulation, réduire le stress et la durée de l’ au soulagement de symptômes liés à la démenceLa plupart des essais cliniques réalisés sur l’effet de la musique sur des individus souffrant de démence rapportent des effets positifs de celle-ci comme une amélioration des habiletés sociales et de l’état émotionnel, ainsi qu’une diminution des troubles du comportement agitation, agressivité, errance, etc.. Il semble aussi que ce type d’approche diminuerait le recours à des interventions physiques et la coordination des personnes atteintes de la maladie de ParkinsonLa musicothérapie, utilisée seule ou avec la physiothérapie, peut contribuer à augmenter la coordination motrice chez les personnes atteintes de la maladie de Parkinson. Des améliorations ont été observées relativement à la vitesse de marche, à la distance et à la cadence du pas, à la lenteur généralisée et à la précision des mouvements. De plus, certains avantages ayant trait aux fonctions émotionnelles, au langage et à la qualité de vie ont aussi été outre, d’autres études ont montré que la musicothérapie permet d’améliorer l'activité physique et cognitive, soulager certains symptômes de la dépression, faire face à un deuil, ou encore à faciliter l’accouchement de femmes à haut risque..La musicothérapie en pratiqueLe spécialisteEn plus d’être des musiciens capables d’improviser, les musicothérapeutes doivent connaître le développement psychosocial et neurobiologique, ainsi que les caractéristiques et les besoins liés à divers maux. A noter que les musicothérapeutes accrédités possèdent une formation universitaire. Les musicothérapeutes exercent notamment dans les écoles, les hôpitaux psychiatrie, psychothérapie, pédiatrie, soins néonatals, etc., les établissements de soins de longue durée, les résidences pour personnes âgées, les centres de rééducation fonctionnelle, les centres communautaires, les centres de réadaptation pour les personnes alcooliques et toxicomanes, les milieux correctionnels et en cabinet privé. Déroulé d'une séanceUne démarche en musicothérapie commence par une première évaluation. On détermine alors si l’approche répond aux besoins de l’individu et si ce dernier est réceptif à la musique. Le thérapeute invite le participant à choisir un instrument, à improviser avec lui, à chanter, à taper du pied et des mains ou à émettre des sons insolites. Il ne s’agit pas d’accomplir des prouesses musicales, mais plutôt d’exprimer librement ce que l’on ressent. Par la suite, le thérapeute fixe des objectifs à court terme, à partir d’une approche globale de traitement, et planifie des activités musicales, actives ou réceptives, adaptées à l’individu. Ainsi, le thérapeute pourrait proposer à un participant qui ne pianote que sur quelques touches d’un clavier d’écouter une pièce musicale particulière, puis d’explorer diverses sonorités de l’instrument. La musique est constamment adaptée à l’état de santé, aux réactions et aux objectifs à formation en musicothérapieComme le nom n’est pas protégé, n’importe qui peut s’afficher comme musicothérapeute. Pour assurer l’intégrité de la profession et protéger le public, des associations ont établi des normes de pratique et de formation. Au Canada, il existe plusieurs associations provinciales, dont l’Association québécoise de musicothérapie qui fait partie de l’Association de musicothérapie du Canada. Seule cette dernière peut accorder le titre de musicothérapeute accrédité » MTA. Les MTA doivent avoir suivi des études universitaires et satisfaire aux exigences de l’association voir Sites d’intérêt. Il existe 5 centres qui délivrent le diplôme de musicothérapeute en France, mais celui-ci n’est pas reconnu par l’ de la musicothérapieLes risques associés à la musicothérapie sont quasiment inexistants et relèvent du bon sens. Cela dit, il est possible que certains patients, dans des conditions particulières, soient influencés négativement par certains types de musique – comme le heavy metal ou le hard rock – et se retrouvent, par exemple, dans un état d’excitation non désiré. Évidemment, le volume sonore doit être approprié et adapté aux circonstances et aux participants à la thérapie. Enfin, les services d’un professionnel reconnu sont fortement conseillés afin que la musique devienne véritablement histoire de la musicothérapieDe tout temps, on a reconnu un effet thérapeutique à la musique. Les Anciens et les cultures traditionnelles la considéraient comme étant une science sacrée. On croit même que la musique a déjà servi à réduire les tensions sexuelles au sein des sociétés primitives. En Amérique, la musicothérapie a officiellement fait son entrée au début du 20e siècle, durant la Première Guerre mondiale, pour soulager les soldats blessés. Au Québec, c’est grâce à Thérèse Pageau, une des pionnières canadiennes, que les vétérans et les patients souffrant de troubles psychiatriques ont pu être traités par la que la musique permet d'harmoniser le corps et l'esprit, Jacques Jost mets en place en 1954 des séances de musicothérapie. Durant cette même période, la première association de musicothérapie naît en Amérique. En France, depuis 1970, les recherches et les expérimentations réalisées en milieu hospitalier ont permis d’intégrer la musicothérapie dans plus de 400 centres de Des lecteurs ont trouvé cet article utile Et vous ?Cet article vous-a-t-il été utile ?À lire aussi

Parcontre, pendant la période du ‘Omer, où – comme nous l’avons expliqué – sont arrivés les événements tragiques de la disparition des 24 000 élèves de Rabbi ‘Akiva, le Gaon Rabbi Moché FEINCHTEIN z.ts.l écrit (Chou’t Iguérott Moché O.H chap.166) qu’il faut s’imposer la rigueur de ne pas écouter de musique, même enregistrée. Son avis est partagé par

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Copiade Home V2; peut on écouter de la musique pendant le ramadan La musique est l’activité préférée des jeunes devant le cinéma et la télévision. Crédits photo shutterstock Sur les baladeurs, les ordinateurs, les téléphones...la musique a envahi leurs vies. Ils la téléchargent et la partagent toujours plus vite... Elle est l’activité culturelle favorite des 15-24 ans. Ce 21 juin, les Français sont attendus dans les rues pour fêter la musique. Un rassemblement particulièrement chéri par les jeunes, grands consommateurs de musique. Et pour cause, elle est au cœur de leur activité quotidienne, et représente pour eux une source de plaisir, de divertissement et d’évasion. » LIRE AUSSI - Revenge porn La honte m’envahissait en permanence» Une étude réalisée par l’institut Opinion Way en 2011 rappelle que la musique est l’activité culturelle favorite des 15-24 ans. Près de 73 %, des répondants l’ont cité avant le cinéma et la télévision. Un quart des interrogés n’hésite pas, non plus, à parler de passion». Ils en écoutent, en moyenne, plus de deux heures chaque jour. Vingt-sept ans auparavant, une enquête menée par l’institut Ipsos établissait ce même constat. Réaliséeauprès de jeunes âgés de 15 à 18 ans, cette étude plaçait l’écoute de la musique en tête de leur activité favorite. Le sport et le cinéma, complétaient le podium… loin derrière.• La révolution Internet La révolution numérique a bouleversé les usages et les modes de consommation. En particulier auprès des jeunes générations, qui ont bénéficié d’un accès banalisé à la musique. Les Français âgés de moins de 35 ans sont deux fois plus nombreux à télécharger des fichiers mp3 13 %. Cette pratique concerne près d’un jeune sur cinq entre 15 et 24 ans, selon un sondage BVA, les Français et la musique» paru en 2006. Avec Internet, les jeunes ont trouvé le moyen de consommer et de partager la culture plus rapidement. Les plus jeunes utilisent 3 fois plus Internet que l’ensemble de la population pour partager leur musique. Selon Opinion Way, 76 % des 15-24 ans affirment utiliser le web pour écouter de la musique et pour la partager, via des sites ou des mails. Les plates-formes de visionnage vidéo sont les premiers sites privilégiés pour écouter de la musique 90 %. Le streaming gratuit légal vient en seconde position, suivi par les radios en ligne.• La musique partout Les supports d’écoute ont évolué parallèlement à la révolution numérique. Aujourd’hui, le support le plus sollicité est le baladeur mp3 27 %. La radio arrive en seconde position 20 %. La musique accompagne tous les moments de la journée, en toutes occasions, lors des déplacements en voiture 67 %, dans les transports en communs et voyages 64 % ou dans les moments d’attente 41 %.• Le RnB plébiscité Aujourd’hui, les préférences des jeunes en termes de genre musical, sont extrêmement variées. Selon Opinion Way, les 15-24 ans apprécient plus particulièrement le RnB 45 %. Derrière, la pop et le rock demeurent toujours aussi populaires 42 %. Enfin, le rap 38 %, la musique électro 28 % et la chanson française 26 % ferment la marche. Le parallèle avec la génération 1986 est intéressant. Vous devez passer une année sur une île déserte et vous avez le droit d’emporter un disque, lequel choisissez-vous?», interrogeait l’Ipsos en 1986. Les réponses reflètent la popularité des deux grands interprètes de la scène française de l’époque Renaud et Jean-Jacques Goldman. Leurs albums sont les plus cités. Le RnB, dont sa contemporanéité est apparue au tournant des années 90, n’en était qu’à ses prémices. Vingt-sept ans après, il est l’un des genres les plus plébiscités par nos jeunes français. NewsletterRecevez tous les mardis le meilleur de l’info étudiante ! scènede l'aveu princesse de clèves ouverture. the client list replay; la controverse de valladolid arguments des personnages; l'idéal streaming gratuit; marie paule belle nice. merlu au four à

À la mémoire de Jean-Michel Berthelot1La Musique et l’Ineffable, l’association des deux termes dans le titre éponyme de l’ouvrage de Vladimir Jankélévitch 1983 [1961] augure d’un mystère de la musique et pose un rapport au sublime. Il suggère à la fois que la musique a partie liée avec l’indicible, mais aussi que celle-ci s’offre comme moyen de donner forme à l’inexprimable. Ce titre fait écho parallèlement à la difficulté de parler de la musique et de la qualifier, à la crainte même de l’appréhender qu’évoquent bien souvent ceux qui s’apprécient comme non-spécialistes, ceux qui ne se sentent pas armés d’un vocabulaire et d’outils adéquats. L’association des deux termes évoque encore sans épuiser la palette des interprétations possibles [1] un butoir contre lequel viendrait heurter la pensée même des spécialistes ». Pourtant, la musique c’est aussi ce refrain qui nous accompagne au quotidien, un air, une chanson, le thème d’une symphonie. Et tout le monde, ou presque, en entend chaque jour, en discute avec d’autres souvent. 2Comment en parler en sociologue ? Comment la sociologie s’est-elle emparée de cet objet musique » ? Cette question est déjà une manière assez inexacte de parler de musique comme phénomène social et esthétique. Il faudrait se demander plutôt comment les sociologies étudient les processus, les pratiques, les objets multiformes instruments, disques…, les acteurs qui font la musique. Et d’ailleurs, objectera-t-on, faut-il parler de la musique, plutôt que des musiques ou de faits musicaux ? Nous y reviendrons, car la question est constitutive de l’approche sociologique choisie. Précisons toutefois que l’expression telle qu’employée dans cet article n’exprime pas une hiérarchisation entre ce qui serait de l’art ou n’en serait pas, ce qui reviendrait – au moins implicitement – à prôner l’exclusion de certaines formes ou de certains genres musicaux ; cela ne marque pas davantage l’oubli du faire et de son inscription sociale, culturelle et historique. Dans l’emploi générique, ici privilégié, le terme inclut toute forme de qualification d’une organisation sonore et parfois aussi multi-artistique comme musique » par des groupes sociaux ce qui est surtout valable en Occident, le terme n’ayant pas d’existence établie dans toutes les sociétés. Parler de sociologie de la musique équivaudrait en ce sens à parler de sociologie de la famille ou de l’éducation sans préjuger de la multiplicité des modèles familiaux et des formes d’éducation. 3Sociologie de la musique donc. Ou plus exactement sociologies de la musique. Notre propos interroge les manières de concevoir une approche sociologique de la musique et les phénomènes étudiés dans ce domaine, mais aussi le rapport personnel et scientifique à la musique qu’entretiennent quatre des principaux auteurs qui ont insufflé un développement de ce champ disciplinaire dans les années 1980 en France [2] et qui contribuent à ce numéro de L’Année sociologique. Évoquer les itinéraires de recherche, les principaux thèmes et les problématiques qui jalonnent les travaux de ces auteurs nous invite au préalable à questionner le caractère insaisissable » de la musique et à reconstituer les débuts de la sociologie de la musique en France. Cela nous conduira à souligner en retour comment la musique et les sociologies de la musique interrogent la sociologie de manière – Insaisissable musique ?4Pierre Bourdieu a dit de la musique qu’elle était l’art “pur” par excellence », elle qui ne dit rien et n’a rien à dire » Bourdieu, 1984. Ses propos ont pu paraître provocateurs les tenants d’une vision d’un art au-dessus des contingences sociales y perçoivent une critique sous-jacente et une dépréciation. À l’opposé, pour les partisans d’une analyse sociologique de cette activité sociale comme toute autre, les termes de Pierre Bourdieu ont paru impropres tant la musique est faite de chair, par des humains, peuplée d’objets, mise en scène, liée aux industries culturelles… Sans doute faut-il y voir à la fois une discussion sur des représentations véhiculées par la musique dans notre société, et la désignation d’une spécificité de cette activité. Rappelons-en quelques caractéristiques bien connues. 5Cet art du sonore est d’abord un art du spectacle en se référant à l’étymologie, c’est-à-dire appelant l’observation par l’avènement. Pour se faire entendre, il nécessite d’être joué » ici et maintenant, par des interprètes donc, ou par des machines, à l’aide d’un disque, d’un fichier sonore… Techniques, instruments au sens large, y compris la voix et les producteurs de son, supports en tout genre participent de son avènement dans un espace-temps précis, forcément situé, au terme d’une longue chaîne de coopération » Becker, 1988 mobilisant de nombreux acteurs. Et c’est grâce à un dispositif matériel, par une incarnation physique, dans de l’humain, de la technique, des objets, que le sonore parvient à nos oreilles. Toujours en devenir du temps qu’elle est jouée et écoutée, une » musique est en fait une multitude de moments uniques. 6Même avec paroles ou bien descriptive », empreinte de conventions » musicales qui font sens pour un groupe social Becker, 1988, une pièce de musique n’offre pas de signification directe et n’est jamais univoque. On retrouve la question du rapport de la musique au langage, longuement débattue par Claude Lévi-Strauss, nombre de sémiologues et de musicologues, dont on ne peut reprendre ici les observations, les thèses et les débats. Disons rapidement qu’il n’y a pas en musique de dispositif signifiant/signifié semblable à une langue, malgré l’existence de langages » musicaux à la formalisation plus ou moins complexe faisant l’objet de grammaires » [3]. En ce sens, la communication est essentiellement d’ordre symbolique. Ce qui mène tout droit à interroger les représentations Constant-Martin, 2006, la construction d’un sens non pas littéral mais multiforme et sans traduction immédiate possible pour un groupe, d’une signification accordée par un/des individus et en partie partagée, et les émotions qui y sont associées. 7Le caractère souvent décrit comme impalpable, immatériel [4], fugace de la musique contribue à entretenir cette part de mystère » [5], ce côté impénétrable qu’on lui prête souvent, cette peur » parfois exprimée envers le langage musical ». Comme l’ont montré philosophes, musicologues et psychologues, la musique entretient un rapport privilégié au temps Imberty, 1981. Toute musique crée un temps spécifique, une durée, à la fois dans et en dehors du temps commun, permettant de suspendre le fil du temps chronométrique, de renouer avec d’autres temporalités Prévost-Thomas, 2002, de se syntoniser » avec d’autres compositeurs ou auditeurs Schütz, 2007, de partager ensemble des émotions intenses. Maîtrise temporaire et symbolique du temps, la musique tisse un lien entre des individus, ouvre une fenêtre partagée, se pose face à la vie et à la mort, à la condition humaine et au devenir humain, aux capacités d’engendrement et de création. Parmi les autres arts et formes culturelles, la musique semble dotée non pas en soi », mais par ses propriétés socialement définies d’un pouvoir symbolique particulier comme expérimenté à propos du féminin et du masculin tels que repérés en musique par nos propres travaux historiquement en Occident, ce domaine artistique est le plus résistant à un partage des prérogatives entre hommes et femmes quant aux fonctions créatrices composition, direction d’ensembles musicaux, sans parler même des modalités de la pratique chant versus instrument, univers domestique/scène publique. Genre au sens esthétique et genre au sens sociologique codéterminent l’accès aux outils de création ainsi qu’à la reconnaissance symbolique des unes et des autres dans un domaine confinant – finalement – au sacré Ravet, à paraître. 8Fait social et esthétique, la musique a aussi été caractérisée comme un fait social total » en référence à Marcel Mauss. Pour Anne-Marie Green qui a défendu en sociologie cette conception initiée en sémiologie de la musique par Jean Molino, ce dernier distinguant le fait musical total » plutôt que la musique des faits musicaux spécifiques plutôt que des musiques, les différents paliers en profondeur » – selon l’expression de Georges Gurvitch – de la musique imposent d’en étudier les aspects économiques, politiques, matériels et techniques, symboliques, etc., de saisir à la fois les dimensions sociales et sensibles de chaque fait musical Green, 1993, 234 [6]. On ne peut présenter ici les théories et les travaux menés du côté de la philosophie, de l’herméneutique, de la sémiologie, de la musicologie et de l’ethnomusicologie qui discutent la nature » du fait musical et les manières de l’appréhender. Précisons toutefois que concevoir la musique en termes de faits et de pratiques, mais aussi – plus récemment – l’envisager en termes de processus est une démarche partagée par d’autres disciplines Cook, 2006. 9Proche de celle de certains ethnomusicologues et anthropologues de la musique, insistant sur l’importance du faire, cette direction de recherche sociologique est, à nos yeux, fructueuse. Étudier comment les acteurs fabriquent de la musique, du son qui prenne un sens esthétique pour un groupe social situé, pris dans un espace-temps, analyser ce faire la musique » [7] où production, réception et œuvre » sont inséparables, s’intéresser plus spécifiquement à la musique en train de se faire », par exemple à la manière dont une cheffe et un orchestre construisent ensemble une interprétation musicale Ravet, 2007 porte à s’attacher aux interactions sociomusicales in situ, à prendre en compte aussi bien le contexte que les significations données par chacun à sa participation personnelle et à l’action commune. La musique est ici saisie en tant que processus qui s’actualise dans le jeu » et par l’écoute, ce qui implique de porter attention à toutes les pratiques, à toutes les musiques. 10Cette posture à la fois théorique et empirique conduit à déceler les traces des interactions sociales dans la construction même du sonore ; elle interroge parallèlement le sens des pratiques musicales tel qu’il s’enracine dans l’expérience sonore et sociale, indissociablement et les propriétés esthétiques répertoires, formes, instruments ou types de voix, etc. des processus analysés. La connaissance du matériau musical et une pluridisciplinarité associant sociologie et musicologie s’avèrent, dans cette optique, très enrichissantes, voire indispensables. De la même manière, pour saisir tour à tour plutôt que de manière simultanée les différentes facettes de chaque fait musical, la collaboration avec d’autres disciplines comme l’histoire, l’économie, l’ethnologie ou les sciences politiques permet d’éclairer cette activité humaine, sociale et symbolique, liée à d’autres univers et semblable à bien d’autres activités, en se donnant la possibilité de préciser sa spécificité par rapport aux autres pratiques artistiques et – Les débuts de la sociologie de la musique en France11Les réflexions sur les rapports entre musique et société ont une origine ancienne. Il suffit de penser aux écrits de Platon et d’Aristote sur la place à accorder aux musiciens dans la Cité et le rôle à donner à la musique dans l’éducation des citoyens, mais aussi aux représentations symboliques et politiques de la musique et des musiciens dans l’Antiquité. Les théoriciens de la Renaissance, puis les philosophes des Lumières – pour ne citer qu’eux – se sont penchés à leur tour sur la manière dont la musique entretient des liens avec le langage et la culture d’un peuple, avec l’expression des sentiments et des émotions, et sur ses relations avec le politique. 12Les fondateurs de la sociologie, quant à eux, ont initié une réflexion proprement sociologique sur l’art, sans y consacrer l’essentiel de leurs travaux Péquignot, 2009 et en abordant rarement la musique en particulier. Max Weber représente une exception de taille. Son ouvrage posthume sur les fondements rationnels de la musique » Weber, 1998 [1921] est précurseur il propose une sociologie de la musique fondée sur une démarche de sociologie historique comparatiste, qui allie théorie et empirie et innove à la croisée de la sociologie et de la musicologie. Analysant la manière dont s’est traduit, en musique, le processus de rationalisation à l’œuvre en Occident, il considère à la fois les transformations du langage musical la tonalité, l’harmonie, la notation, l’évolution des techniques en matière de facture instrumentale en particulier, leur inscription historique, économique et sociale. Traduit tardivement en français par Jean Molino et Emmanuel Pedler, discuté à la lumière de travaux plus récents, l’ouvrage demeure un essai novateur et fructueux. 13Parmi les auteurs publiés en France et pour la musique spécifiquement, outre Lionel Landry qui pose que la musique est un fait de conscience collectif » 1930, 114 dans son ouvrage sur la sensibilité musicale » et Maurice Halbwachs 1950 qui publie un texte sur la mémoire collective chez les musiciens, Charles Lalo 1921 au début du xxe siècle, puis Marcel Belvianes 1951 et Alphons Silbermann 1955, 1968 ont chacun à leur manière tenté de poser les fondements d’une sociologie de la musique. Ces trois auteurs se sont situés par rapport à l’esthétique traditionnelle qui a partie liée avec la philosophie, en des sens contraires pour les deux derniers Marcel Belvianes donne à lire une conception idéalisée de la musique le caractère social de celle-ci tenant uniquement au fait qu’elle participe de la vie de chaque société, alors qu’Alphons Silbermann tend à sociologiser l’analyse les œuvres sont appréhendées en tant que symptômes de la société. Cependant, leurs propositions, essentiellement théoriques, demeurent de l’ordre de l’ esthétique sociologique » Lalo, 1921. À partir d’exemples d’œuvres, de compositeurs ou de situations de la vie musicale, se distinguant de l’histoire de la musique par leur effort de généralisation Brévan, 2005, ils s’attachent à mettre en lumière des déterminations extra-esthétiques en maniant diversement le rapport aux valeurs, mais ils restent pris dans une lecture sociale de l’art » Hennion, 1993 qui oppose art et société, en une posture aporétique. 14Parallèlement, la pensée spéculative allemande » Menger, 1994 s’intéresse à la musique et produit des textes à redécouvrir aujourd’hui. Comme celui de Max Weber, les écrits d’Alfred Schütz 2007 et de Theodor W. Adorno 1994 sont traduits tardivement en France et demeurent encore en partie méconnus. Pour ce dernier, à la fois sociologue, philosophe, musicologue et compositeur, il faut créer une méthode d’investigation musico-sociologique » adaptée à chaque phénomène, conjuguant analyse interne » des œuvres et analyse externe » [8]. Fruit de forces insérées dans des rapports de production, chaque œuvre détient un degré de vérité » rarement saisi par les consommateurs de musique. Cette théorie critique qui pose une relative et illusoire autonomie de l’art par rapport à l’aliénation engendrée par la société de consommation a été fort discutée, aussi bien par les musicologues que les sociologues, la force de ses jugements de valeur en particulier ses prises de positions esthétiques contre le jazz tel qu’il le connaissait à son époque rebutant. Son travail, qui participe d’une lecture sociale – élaborée – de la musique, reste marqué par l’emprise esthétique. C’est aussi le cas des travaux d’Ivo Supi?i? 1971, qui inscrit finalement davantage ses réflexions en histoire sociale qu’en sociologie, mais de manière opposée ce dernier rejete du champ des compétences sociologiques l’interrogation sur la musique et sur les œuvres, réattribuée exclusivement à l’esthétique. 15En France, ce n’est qu’à partir des années 1960 que se développe une véritable sociologie d’enquête dans les domaines artistiques et culturels Moulin, 1988. En raison des profondes transformations sociales et du champ culturel, à la faveur d’une demande institutionnelle émanant notamment du ministère de la Culture, un ensemble de travaux empiriques voit le jour. Ils répondent à un besoin de mieux connaître les producteurs et les consommateurs des arts et s’inscrivent dans le sillage d’une évaluation des politiques instituées pour démocratiser » la culture. Deux courants se sont ainsi formés Péquignot, 2009 le premier regroupe des auteurs aux positions diverses comme Pierre Francastel, Roger Bastide et Jean Duvignaud gravitant autour de Georges Gurvitch ; le second se développe autour de Raymond Aron, avec les travaux des équipes constituées par Pierre Bourdieu et Jean-Claude Passeron, d’une part, et Raymonde Moulin, d’autre part. Les arts plastiques, le théâtre, les publics, la photographie constituent les premiers domaines d’investigation. L’intérêt pour la musique vient plus tard. 16Pourtant, des colloques sur la musique ont lieu dans ces années-là en France en 1961 se tient au Centre d’études sociologiques un Colloque sur la musique » [9]. En 1962, le Colloque international pour une sociologie de la musique les nouvelles structures musicales constituent-elles un phénomène social ? » [10] interroge les transformations du langage musical savant » ; il fait appel à des musicologues et ethnomusicologues, des compositeurs, des acteurs de la vie musicale, mais pas à des sociologues. Quelques contributions sociologiques paraissent sur la chanson Bernard, 1964 et le jazz Newton, 1966. Aux États-Unis, dans les années 1960 toujours, Howard S. Becker publie Outsiders 1985 [1963] qui comprend deux chapitres consacrés aux musiciens de danse » les musiciens des clubs de jazz des années 1940-1950 à Chicago. Mais l’influence de ce dernier en France ne se fait sentir de manière majeure qu’à partir des années 1980, lorsque ses travaux sont traduits en français. 17À la faveur de la réinstauration d’une section Sociologie de l’art » dans L’Année sociologique, Antoine Hennion constate ainsi en 1984 que la sociologie de la musique est moins avancée que celle de la peinture » Hennion, 1984, 379. Il lui consacre le premier débat thématique en discutant des travaux anglophones, ceux de l’anthropologue de la musique John Blacking dont Le sens musical était paru traduit en français en 1980 et l’ouvrage collectif intitulé Whose Music? A Sociology of Musical Languages Sherperd et alii, 1977 proposant un modèle théorique systématique » pour la sociologie de la musique. À cette époque, en effet, des travaux en langue anglaise fleurissent, en particulier sur le rock et la culture juvénile, comme ceux de Simon Frith qui publie un premier opus The Sociology of Rock 1978 bientôt suivi d’autres, ou ceux de Stith H. Bennett 1980. 18De manière générale, le colloque sur la Sociologie de l’art » organisé en 1985 à Marseille par Raymonde Moulin apparaît comme fondateur d’un champ spécifique de la sociologie, celui de la sociologie des arts et de la culture. Sur la quarantaine de contributions, cinq portent directement sur la musique pour les aspects institutionnels et économiques, Frédérique Patureau sur L’Opéra de Paris ou les ambiguïtés de l’enjeu culturel » Moulin, 1999 [1986], 83-93 ; du côté des professions artistiques et des marchés de l’art, Jean-Louis Fabiani sur les Carrières improvisées théories et pratiques de la musique de jazz en France » 231-246 et Pierre-Michel Menger sur L’art, objet de science la recherche musicale savante contemporaine » 247-260 ; enfin, à propos de la sociologie des œuvres, John Shepherd Les exigences d’une sociologie des œuvres musicales le cas des musiques “classiques” et “populaires” » 335-346 et Antoine Hennion La musique est une sociologie points de méthode, à propos des théories musicales de Rameau » 347-356. 19La fin des années 1970 et les années 1980 marquent ainsi le développement de travaux empiriques sur la musique en France et l’investissement de chercheurs qui vont consacrer pleinement – au moins un temps – leurs recherches à la musique. Si Bruno Brévan soutient en 1977 une thèse de sociologie historique sur la vie musicale parisienne et le concert sous le règne de Louis XVI et sous la Révolution, qui donne lieu à la parution d’un ouvrage Brévan, 1980, les autres chercheurs se concentrent davantage sur la période contemporaine. Pierre-Michel Menger commence à publier sur la création musicale dans un premier article en 1977, avant son ouvrage sur La Condition du compositeur et le marché de la musique contemporaine en France 1979, bientôt suivi par Le Paradoxe du musicien 1983 issu de sa thèse de doctorat. Antoine Hennion fait paraître à la même époque des recherches sur l’industrie du disque un premier document en 1975, suivi d’un ouvrage avec Jean-Pierre Vignolle sur L’Économie du disque en France 1978, puis de celui sur Les Professionnels du disque. Une sociologie des variétés 1981. La même année paraît le premier rapport de l’ Enquête sur les élèves et anciens élèves des écoles de musique contrôlées par l’État » auquel il participe. En 1983, Anne-Marie Green soutient sa thèse sur le rapport des adolescents de lycées professionnels à la musique, qui donne lieu à la publication d’un ouvrage intitulé Les Adolescents et la Musique 1986. Patrick Mignon commence à publier sur le rock et Jean-Louis Fabiani sur le jazz. À la fin des années 1980, Emmanuel Pedler fait paraître ses premiers articles sur l’opéra et sur l’écoute après avoir soutenu une thèse proposant une sociosémiotique de l’opéra verdien » en 1984. 20On ne peut bien sûr citer tous les auteurs qui développent une réflexion d’ordre sociologique sur la musique à partir des années 1980 [11]. Avant Jacques Attali avec son essai d’économie politique de la musique » 1977 et Françoise Escal avec Espaces sociaux. Espaces musicaux 1979, Paul Beaud et Alfred Willener avaient en effet proposé dès le début des années 1970 une réflexion sur la façon sans précédent dont la musique s’intégrait dans la vie quotidienne et se faisait porteuse d’une nouvelle culture » Beaud, Willener, 1973. Chercheur suisse héritier de la pensée d’Adorno, après avoir mené des recherches en sociologie du travail, Alfred Willener se consacre à la musique en travaillant successivement sur l’interprétation, les rapports sociaux à l’œuvre dans l’orchestre, l’improvisation. En outre, venus de la linguistique pour Louis-Jean Calvet, de l’histoire pour Jean-Claude Klein ou de la psychologie sociale pour Jean-Marie Seca, des études d’autres disciplines interrogent les rapports musique/société à propos de la chanson, pour les premiers Calvet, 1981 Klein, 1990, les musiciens de rock, pour le troisième Seca, 1987. 21Les premières recherches empiriques en sociologie de la musique ont suivi plusieurs chemins, notamment celui des nouvelles » musiques, et en particulier le rock, où la réflexion croise celle sur la culture jeune » voire le problème jeune », sur les politiques urbaines, sociales et culturelles, sur la part des industries culturelles et des médias dans ces phénomènes. Autre type de nouvelle » musique, la musique contemporaine et la création ont été questionnées, à l’aune du rôle du marché et de celui de l’État et ses facultés d’intervention en France. Ainsi la répartition des tâches que l’on a parfois voulu voir entre une musicologie qui traiterait de musique sérieuse » et une sociologie qui se consacrerait à la musique dite populaire n’est pas avérée du côté de cette dernière en France [12].3 – Parcours intellectuels de quatre sociologues22Dans ce contexte fertile, certains auteurs proposent un renouveau des approches théoriques, empiriques et épistémologiques par rapport à leurs prédécesseurs, en se distinguant notamment de l’ esthétique sociologique ». Les années 1980 et 1990 voient ainsi la parution d’articles et d’ouvrages qui font date. Face à la richesse et à la multiplicité actuelle des démarches, il paraît essentiel de revenir brièvement sur des travaux qui ont ouvert des voies heuristiques. Appartenant à la génération du baby-boom [13], les quatre contributeurs à ce numéro ont été formés d’abord à d’autres disciplines la philosophie à l’ens, pour Jean-Louis Fabiani et Pierre-Michel Menger, comme nombre de sociologues avant eux Raymond Aron, Pierre Bourdieu, mais aussi le droit, pour Emmanuel Pedler, les sciences de l’ingénieur et la musicologie, pour Antoine Hennion. Pour autant leur doctorat s’inscrit en sociologie, discipline à laquelle les chercheurs à leur suite seront plus fréquemment initialement formés. Revenons un temps sur l’itinéraire de recherche de chacun d’entre eux. 23Directeur d’études à l’ehess et professeur à la Central European University Budapest, Jean-Louis Fabiani n. 1951 a soutenu en 1980 à l’ehess, sa thèse sur l’étude des configurations de savoir ». Elle a donné lieu à l’ouvrage Les Philosophes de la République 1988. Ses recherches actuelles interrogent des problématiques essentielles en sociologie de la culture sur savant/populaire et sur la légitimité culturelle. Tout au long de ses travaux court un fil qui le relie régulièrement à la musique, au jazz en particulier et au music-hall Fabiani, 2006. Ce thème de recherche prend une importance dans son parcours sans doute plus forte qu’il ne le laisse entendre comme en témoignent les thèses qu’il a dirigées sur le rap Pecqueux, 2003, le jazz Roueff, 2007 et la globalisation des formes musicales jazz/rock Dorin, 2005. 24Par le jazz se trouve abordée la question des arts moyens », de la tension entre cultures savantes et populaires, des formes de réception et leurs variations historiques. Son article Carrières improvisées » augure ainsi d’une analyse, non pas des carrières de musiciens de jazz au sens de Everett Hughes ou de la sociologie du travail, mais de la constitution sociale de l’objet “jazz” en France » Fabiani, 1986, 231 il montre comment le jazz a été perçu et construit comme tel et quel a été l’impact des processus de théorisation de cette musique sur sa perception et sa caractérisation en musique noire ». L’ethnicisation de cette musique a partie liée avec la constitution et l’influence d’une jazzophilie » faite par des blancs » en France. L’article évoque également le processus de légitimation du jazz, par le biais de politiques culturelles, d’un processus d’institutionnalisation enseignement, commandes d’État… et l’avènement d’ employés du jazz ». Mais les écrits qui suivent Fabiani, 2008 nuancent cette analyse. Jean-Louis Fabiani montre que le jazz, loin d’être un art moyen » en homologie avec les goûts de la petite bourgeoisie », se révèle après enquête un art de la tension entre deux extrêmes » comme il l’explique dans ce numéro. Au contact de terrains particuliers, la théorie de la légitimité culturelle telle que développée par Pierre Bourdieu en vient à être ainsi fortement amendée. 25Antoine Hennion n. 1952 est professeur à l’École des Mines et membre du Centre de sociologie de l’innovation qu’il a dirigé de 1994 à 2002. Il développe une sociologie de la culture à partir de la musique à laquelle il consacre la majorité de ses travaux parmi d’autres sur la radio, la publicité, le design, le vin, et plus récemment les humanités altérées » par le handicap, la vieillesse, l’alcoolisme…. Comme pour les autres auteurs, on ne peut évoquer tous ses écrits, tant les thématiques de recherches sont fécondes. Elles portent principalement sur le disque, sur les élèves des conservatoires et l’enseignement musical en France, sur les amateurs et les auditeurs, l’écoute et les goûts, sur la musique ancienne, Bach et Rameau en particulier, mais aussi sur l’opéra, le rock…, et le conduisent à diriger des thèses par exemple à propos du heavy metal Petesch, 2009. La médiation, puis les attachements » et sa conception pragmatiste de la sociologie y trouvent leurs fondements. 26Dans ses premiers travaux sur l’industrie du disque, Antoine Hennion montre le rôle essentiel, dans la production d’une chanson de variété, du directeur artistique en tant que médium » qui incarne le public ses désirs, ses envies… » Hennion 1981, 13. Dans La Passion musicale 1993, ouvrage issu de la thèse qu’il a soutenue en 1991, Antoine Hennion développe sa théorie de la médiation. Après avoir interrogé le renouveau » de la musique baroque, sa redécouverte qui est en fait une réinvention de cette musique aujourd’hui à l’aide d’objets instruments, disques… outre les traités théoriques anciens, il discute les théories en sociologie de l’art et en histoire sociale de l’art et explique que le moyen de saisir l’objet musique est de l’appréhender par ses médiations, par les liens musique-auditeur, par les gestes, la scène, les instruments, les partitions… 27Poursuivant ces pistes, il s’intéresse notamment aux amateurs et à Bach au cœur de deux ouvrages publiés en 2000. Avec le musicologue Joël-Marie Fauquet, il analyse comment s’est créé un goût pour les musiques du passé avec Bach au xixe siècle Fauquet, Hennion, 2000. L’élaboration d’un amour de la musique » et l’avènement de l’ amateur » au sens de celui qui aime et cultive ce goût sont constitutifs de l’appropriation de cette musique en la transformant par des arrangements divers, en produisant discours et commentaires… et modifient l’approche de la musique en général. Les différentes figures de l’amateur » Hennion, Maisonneuve, Gomart, 2000 doivent prendre place dans l’histoire de la musique, qui est aussi une histoire de l’écoute et du goût marquée par la discomorphose ». Mis en parallèle avec l’effet d’une drogue, toutes proportions gardées, l’attachement pour la musique passe fortement par le rapport à des objets comme le disque. 28Dans l’héritage de la pensée de Bruno Latour et de Michel Callon, membres du même laboratoire de recherche, Antoine Hennion propose ainsi une approche pragmatiste de la sociologie et de la musique. En tant que telle et posée a priori, cette dernière n’existe pas, pas plus que le social. Pour reprendre les termes de l’auteur, les choses et les objets nous font », par les prises » qu’ils exercent sur nous. Les collectifs, les corps et les subjectivités font exister la musique dans un faire ensemble ». Son approche de la musique se positionne ainsi contre la sociologie critique de Pierre Bourdieu, refusant une position qu’il estime surplombante » dominants/dominés et sociologiste marquée par le discours sur la croyance ». Elle critique également les approches qui évacuent la musique parce qu’elles restent dans un dualisme entre sociologie et esthétique, objet et sujet. Dans la perspective qui est la sienne, insistant sur les capacités réflexives des acteurs, il faut partir de l’appropriation, montrer comment l’objet musique devient objet de désir », producteur de sens et d’imaginaire. À la question essentialiste de la nature de l’objet se substitue alors l’interrogation sur ce que fait la musique » et ce qu’elle fait faire », à ceux qui la goûtent et l’apprécient. 29Pierre-Michel Menger n. 1953 est directeur de recherche au cnrs et directeur d’études à l’ehess ; il a dirigé le Centre de Sociologie du Travail et des Arts de 1993 à 2009. La création musicale contemporaine a constitué son premier domaine d’investigation notamment pour son doctorat on l’a vu, où il a réalisé une enquête d’envergure sur les compositeurs et leurs liens à l’État, ces travaux ayant été prolongés par une étude des publics de la musique contemporaine Menger, 1986 et sur Les Laboratoires de la création musicale 1989. Il y montre le caractère assisté » de la création notamment le poids des commandes, les carrières des compositeurs étant très liées à cette institutionnalisation. La question des publics et de l’écoute de la musique contemporaine en découle ; elle interroge le schisme communément admis entre créateurs et auditeurs et montre la coupure entre une consommation volontariste » et la perception de cette musique fondée sur des compromis. 30D’une terminologie bourdieusienne dans le Paradoxe du musicien 1983, l’analyse se déclinant en termes de prises de positions esthétiques à mettre en relation avec des dispositions sociales et la position professionnelle des créateurs, Pierre-Michel Menger en vient très vite à une critique de la théorie de la légitimité culturelle à propos de l’appréciation problématique par mise en suspend du jugement critique de la musique contemporaine même pour les auditeurs censés être les plus cultivés ». De manière sous-jacente, la réflexion sur la musique comme type de langage, ses déterminations temporelles et historiques au regard des paradigmes esthétiques, est essentielle. 31Par la suite, ses recherches ont porté sur les comédiens et les intermittents, et, de manière générale, sur le travail et les professions artistiques, les marchés de l’art, les nouvelles formes de salariat. Aujourd’hui, il s’intéresse au monde académique à propos de questions telles que les inégalités de talent et de gain, questions au cœur de son ouvrage synthétique Le travail créateur 2009. L’analyse des professions artistiques et scientifiques est menée sous l’angle de la gestion de l’incertitude comme moteur des pratiques créatrices, à la lumière des enseignements de la théorie économique. L’incertitude engendre la surprise qui procure une gratification au travail de l’artiste ou du créateur, lui-même soumis à de perpétuels réévaluations. Des différences minimes de talent produisent des inégalités patentes de réussite dans des univers nécessairement inégalitaires », empreints de concurrence, comme le montre cette théorie de l’action en horizon incertain ». 32Tout au long de cet ouvrage qui théorise son approche, la musique se fait entendre. Pierre-Michel Menger a d’ailleurs consacré en 2002 une analyse au talent et au génie à propos de Beethoven, où il critique des postures constructivistes théoriques comme celle de Theodor W. Adorno ou empiriques comme celles de Norbert Élias et surtout de Tia DeNora pour privilégier une analyse dynamique » en termes de réseaux, de variations de talent qui se renforcent et finissent par produire des écarts conséquents en matière de soutien de l’activité et de reconnaissance du génie ». Aux forces sociales de macro-acteurs en lutte, il entend opposer une analyse plus micro- sociologique, moins déterministe, où les stratégies des acteurs intègrent le feed-back produit par le jugement incessant des musiciens eux- mêmes et d’autres acteurs au jeu de concurrence du milieu. Y transparaît par touches, en particulier à la fin du texte, le statut historique, social et symbolique spécifique de la musique sérieuse ou savante ». Après Beethoven et le génie, mais aussi Rodin et l’inachèvement, il approfondit dans ce numéro sa conception d’une sociologie de l’œuvre musicale. Ajoutons qu’il a dirigé plusieurs thèses sur le rock Mignon, 1996, les professions et carrières musicales Coulangeon, 1998, le lien entre innovation économique, sociale et esthétique pour la musique ancienne François, 2000 ou les musiques électroniques Jouvenet, 2003. 33Enfin, Emmanuel Pedler n. 1956 est directeur d’études à l’ehess de Marseille. Sa thèse soutenue en 1985 et son habilitation à diriger des recherches 1996 portent entre autres sur l’opéra auquel il consacre un ouvrage Pedler, 2003 et plusieurs articles mobilisant notamment une approche sociohistorique. Il s’intéresse aux carrières de spectateurs et d’auditeurs et travaille parallèlement sur l’écoute en dialoguant avec la musicologie. Pour caractériser les modalités et les paramètres de l’écoute plus précisément que dans les enquêtes sur les goûts musicaux, il mène par exemple des expériences à l’aide de socio-audigrammes » Pedler, 1994. Il montre ainsi que la finesse de l’écoute varie en fonction du degré de conversion musicale », d’une part, mais aussi que les œuvres du grand répertoire » peuvent faire à la fois l’objet d’une lecture commune » et d’une écoute savante », y compris chez les professionnels. 34Ses recherches sur le concert et sur l’institutionnalisation de la musique savante Pedler, 2004 prolongent la mise en question des fondements de la théorie de la légitimité culturelle pertinente quant à l’importance des institutions, cette théorie est à nuancer quant aux formes de réception qui, rapportées aux différents types de public, sont loin d’être uniformes pour un même groupe. Comme il le montre à propos d’une représentation du Bœuf sur le toit de Darius Milhaud Pedler, 2004, confrontation », malentendus culturels » et complicités dans le malentendu » caractérisent la réception en concert musiciens et public lyrique sensibilisé à la musique dite savante apprécient de manière opposée la prestation, montrant la diversité des entendements musicaux ». En outre, le concert et chaque type d’institution provoquent la construction d’un rapport particulier à la chose musicale ». 35De manière générale, Emmanuel Pedler s’intéresse à la réception des œuvres – musicales, visuelles et théâtrales dans d’autres travaux – ainsi qu’aux formes culturelles de la communication, ancrant sa réflexion en sociologie de la culture. La sociologie de la musique continue cependant de l’occuper, par la direction de thèses par exemple sur le rap Sberna, 2000 et les musiques particularistes » Cestor, 2004, mais aussi par la relecture de textes fondateurs en sociologie de la musique. Depuis la traduction du texte inachevé de Max Weber 1998, il œuvre à en montrer l’intérêt actuel pour la sociologie de la culture – à l’instar de ceux de Georg Simmel, mais aussi Alfred Schütz et Maurice Halbwachs comme il l’évoque dans ce numéro – au-delà des malentendus sur sa lecture Pedler, 2006, 2008. En particulier, la démarche sociohistorique comparative et l’importance des techniques dans l’évolution des formes culturelles constituent des directions de recherche qu’il contribue lui-même à problématiser. 36La diversité des thématiques et des approches des quatre auteurs montre, s’il était encore besoin de s’en convaincre, que se lisent là des sociologies de la musique, des manières différentes et complémentaires de faire de la sociologie de la musique. Sociologies du travail musical, de la médiation, de la réception, sociomusicologie, elles sont liées à la sociologie des arts et de la culture, des professions, des réseaux, etc. Aucun des quatre auteurs d’ailleurs ne laisserait étiqueter ses recherches sous une seule acception, même s’ils citent l’une ou l’autre parmi leurs domaines d’étude. Ces quatre sociologues participent à l’impulsion donnée depuis le début des années 1980 à la sociologie de la musique en France, notamment en dirigeant des thèses, avec d’autres comme Anne-Marie Green. Le foisonnement des recherches depuis une dizaine d’années en France suit des pistes ouvertes par leurs travaux recherches sur le travail et les professions musicales interprètes, musiciens ordinaires »…, la création et la production musicales au sein des musiques savantes » comme populaires », le marché de la musique au fil de ses évolutions en fonction de l’apparition de nouveaux supports…, les institutions et les politiques musicales légitimant » par exemple des musiques comme le rock, l’écoute et les expériences musicales où publics, mélomanes, amateurs au sens d’aficionados, ou encore émotions esthétiques sont appréhendés, les œuvres et les interprétations au cœur d’interrogations toujours renouvelées… tout en explorant de nouveaux terrains et d’autres approches. On en trouvera une présentation par Cécile Prévost-Thomas à la suite des études de nos quatre – Un rapport étroit à la musique37Non spécifique à ce domaine – rebattue selon d’aucuns –, une question se pose pourtant avec acuité dans les débats sur les démarches heuristiques en sociologie des arts et de la culture, tout particulièrement en musique faut-il être musicien » pour mener des recherches pertinentes sur la musique, à tout le moins pour mener des enquêtes et comprendre ce qui se déroule sur le terrain ? Musicien » s’entend ici en un sens large qui comprend de multiples acceptions être formé à la musique, jouer soi-même de la musique d’une manière ou d’une autre, être reconnu comme l’un des membres du milieu » sur lequel porte l’enquête on n’emploie pas ici à dessein le terme professionnel » qui ne recouvre pas forcément la même signification pour les acteurs concernés et pour l’observateur. Ou alors, la condition minimale » requise est-elle de bien connaître » le milieu étudié, voire d’apprécier particulièrement la musique qui y est produite ? Ou encore, rien de tout cela n’est-il nécessaire, l’implication pouvant représenter davantage une entrave, un biais potentiel contre lequel se prémunir ? 38Howard S. Becker, musicien de jazz et sociologue observant son propre milieu, dans Outsiders et d’autres écrits Faulkner, Becker, 2009, représente actuellement une figure tutélaire pour de nombreux sociologues en contact avec un terrain musical spécifique. Les quatre auteurs dont nous venons d’appréhender le parcours intellectuel entretiennent chacun un rapport particulier à la musique, qui – contrairement à H. S. Becker – n’est pas de l’ordre de l’observation participante où relations personnelle et scientifique se mêlent indissociablement. Cependant, leur façon de concevoir la sociologie est pour chacun d’eux marquée par leur intérêt intellectuel pour la musique, par leurs goûts et leur pratique le cas échéant. Découvrir un tant soit peu le rapport qu’ils entretiennent avec la musique permet donc de mieux saisir la construction de leur pensée, outre leur approche de cet objet » en tant que chercheurs [14]. 39Tout d’abord, deux d’entre eux ont été formés longuement, en particulier à la musique dite classique qu’elle soit enseignée en conservatoire ou en cours particuliers. Les deux autres formulent des regrets face à une absence de formation et/ou un manque de pratique. Si Pierre-Michel Menger a regretté infiniment de n’avoir appris le piano », Jean-Louis Fabiani explique 40 J’ai fait un peu de piano et de solfège étant enfant, mais surtout j’ai fait du chant classique à la Schola Cantorum quand j’étais à l’ens et plus tard. J’ai toujours regretté de n’avoir pas fait plus de musique et je reprends des cours ici à Budapest. » 41Emmanuel Pedler, quant à lui, a suivi un cursus d’apprentissage de la musique et du violon depuis l’enfance, qui s’est prolongé plus tard par la pratique de la musique de chambre 42 Mon rapport privé à la musique est étroit depuis longtemps maintenant. Des études au cnr de Nice d’abord prix de violon, poursuivies, à la fin, en parallèle avec mes études de droit. J’ai eu la chance à ce moment d’avoir Paul Tortelier comme professeur de musique de chambre. Depuis j’ai continué à pratiquer la musique de chambre – piano et violon et plus récemment clavecin et violon. » 43Pour Antoine Hennion, l’apprentissage de la musique s’est fait à partir de l’adolescence, à l’école, au sein d’une chorale de garçons. À la même époque, il commence à prendre des leçons particulières de piano auprès d’une professeure de la filière post-Cortot » qui était excellente pour apprendre à aimer la musique ». Il poursuit ses études de piano jusque pendant ses années de classes préparatoires puis d’étudiant à l’École des Mines, mais un tel apprentissage – exigeant – devient de moins en moins tenable ». Parallèlement, il s’inscrit en musicologie à la Sorbonne où il soutient une maîtrise 1978. Il apprend également la clarinette durant quatre ou cinq ans avec un professeur de conservatoire hypertraditionnel » et joue beaucoup avec des amis. 44 J’ai fait plein de musiques avec des copains, des déchiffrages tout Bach instrumental à la clarinette basse ou presque !, des groupes dans la rue pour soutenir le comité Chili en jouant des mélodies sud-américaines à la clarinette, … un groupe d’amateurs aux Mines, etc. » 45Enfin vient l’apprentissage du chant, plus tardif, auprès de plusieurs enseignants successifs 46 [Je ne faisais] plus de chorale, mais j’ai toujours chanté, fort et fort mal, sans avoir encore un goût particulier pour l’opéra, donc sans penser à travailler la voix. Le chant, c’est venu tard, vraiment tard, vers 45 ans, d’une copine qui m’a dit “m’enfin, tu chantes tout le temps, essaie de le faire pour de bon”. … Entre-temps, je m’étais mis à apprécier l’opéra, comme beaucoup avec l’âge, mais pas du tout Verdi-Wagner, au contraire, tous les autres, en particulier les Français du xixe siècle, à mon sens bien trop dédaignés. Et comme j’ai une grosse voix de basse-baryton, je prends un plaisir énorme à aller de Bach ou Fauré ou Schumann à Verdi, pour le chanter, ou Bizet ou Massenet… » 47Emmanuel Pedler et Antoine Hennion continuent à pratiquer la musique mais juste en amateur, on fait quelques auditions ou concerts aux Mines en fin d’année, rien de plus » explique ce dernier. Jean-Louis Fabiani est par ailleurs depuis onze ans président du conseil d’administration de l’orchestre des jeunes de la Méditerranée réunissant vingt et un pays. Quant à Pierre-Michel Menger, il est un fervent mélomane. 48Le goût prononcé pour la musique est partagé par les quatre sociologues. Il éclaire le choix de travailler sociologiquement sur celle-ci – de manière distincte pour chacun d’eux – goûts et rapport à la musique évoluant au cours des années de recherche. Pour Pierre-Michel Menger, la rencontre » avec la musique a fondé une véritable passion, dont le récit est apparenté à celui que font certains musiciens de la naissance d’une vocation » née d’un coup de foudre » ou d’ une rencontre » précisément. 49 Mon rapport à la musique est celui d’une passion née à 11 ans, fortuitement un ami de la famille décédé lègue, pour moi, un bureau en chêne que j’ai toujours et cinq 33 tours de musique classique – Beethoven, Mozart, Wagner – et c’est une étincelle qui se transforme en incendie dans mes neurones et ma sensibilité, et s’est transformée en goût profond uniquement par la médiation du disque, puis, à Paris, quand j’y ai fait mes études, du concert et de l’opéra. … Plusieurs camarades normaliens, surtout parmi les scientifiques, étaient d’excellents pianistes et j’adorais passer des nuits à les écouter jouer en sous-sol, rue d’Ulm. » 50Cette rencontre se double d’une curiosité assez vive pour la musique moderne contemporaine, au moment même où [il] découvr[e] la musique » 51 Je me souviens d’avoir été médusé par l’écoute de la Musique pour cordes, percussion et célesta de Bartók, dont un camarade de classe m’avait passé le disque, puis d’avoir voulu écouter en classe de musique la totalité du Concerto de Jolivet dont la professeur de musique avait présenté un extrait aux élèves, et encore d’avoir été troublé par l’écoute d’œuvres de Varèse et Xenakis, qui passaient sur ce qui est devenu France-Musique ensuite. Tout ça dans ma province lorraine, à Forbach, où pas une once de musique vivante n’était à portée d’ouïe, jusqu’à la fin des années 1960. » 52Cela ne sera pas sans conséquence sur son investissement dans des recherches sur la création contemporaine, puisque explique-t-il cela m’a déterminé à choisir mon sujet de doctorat, mais pas au point de renoncer à la recherche pour apprendre l’écriture et la composition, comme me l’a proposé Maurice Ohana ». Pour Emmanuel Pedler le parcours est inverse. Il a commencé à travailler sur l’opéra selon un choix qui a été plus directement piloté par des motifs intellectuels que par un goût pour [celui-ci] ». Il en va différemment aujourd’hui 53 Le parcours musical de mes enfants … m’a confronté à d’autres répertoires et m’a introduit à la musique baroque vers laquelle je penche de plus en plus. Ma curiosité pour la fin du xviie et le tout début xviiie italien s’ancre ainsi doublement intellectuellement pour explorer dans une perspective wébérienne des voies encore indéfrichées, musicalement pour saisir la posture et l’expérience musicales des compositeurs et interprètes oubliés aujourd’hui comme Veracini, Carbonelli ou Mascitti. » 54De son côté, Antoine Hennion a travaillé sur les variétés » lors de ses premiers travaux sociologiques et musicologiques mais, également, moins par goût pour des musiques – dont il estimait alors qu’elles étaient situées en dehors du domaine de l’art – que par nécessité scientifique 55 A priori plus sensibles à la musique classique ou contemporaine et au jazz, tant par goût que par formation et intérêts théoriques, nous avons sur le terrain opéré un premier déplacement, qui s’imposait le disque, c’est avant tout les variétés. » 56Quant à Jean-Louis Fabiani, il se reconnaît comme amateur de jazz » Fabiani, 2008 mais précise par ailleurs 57 Je me suis toujours intéressé à des objets périphériques en musique jazz ou music-hall sur lequel je prépare un livre avec Jacques Cheyronnaud mais j’ai des goûts personnels plus légitimes. » 58Les goûts des quatre sociologues les portent surtout vers les musiques communément classées comme savantes musiques an- cienne et baroque, musiques classique et romantique, opéra, musique contemporaine… Mais il peut comprendre des incursions vers d’autres répertoires. Antoine Hennion aime Bach avant tout, Schumann, Rameau et la musique française de la fin du xixe et du début du xxe siècles, mais il a aimé le rock des années 1960 il regrette d’avoir vendu tous ses disques en 1968, le jazz Charlie Parker, Archie Shepp et la musique contemporaine. Surtout, le rapport personnel à la musique s’ancre dans des pratiques intimement liées à l’activité intellectuelle telle que l’écoute de disques 59 J’ai une énorme collection de disques, au fur et à mesure de mes strates de goûts en 33 tours puis cd pas encore trop Internet. Mais surtout, sauf pour des rédactions pointues, je travaille en écoutant. C’est mon rapport no 1 à la musique aujourd’hui, même avant le chant que j’adore, on sort de chaque leçon en possédant le monde, avec l’impression d’avoir enfin tout compris et de repartir à zéro mais que tout s’ouvre…. En fait je suis un écouteur de kilomètres et de kilomètres de musiques. » 60On le voit, le lien est fort et parfois indissociable entre une passion ou un goût pour la musique et la pratique scientifique. Le rapport qui s’est construit au fil des années avec certaines musiques a eu, de diverses manières, une incidence réelle sur le choix des sujets de recherche ou la manière même de faire de la sociologie. La question de la distance au sujet de recherche, de la neutralité scientifique » et de l’objectivité y est mêlée. Si cette question peut apparaître comme banale, elle n’en demeure pas moins abordée par chacun des sociologues comme un questionnement au fondement de leur positionnement et de leur démarche. Dans la préface » au Paradoxe du musicien, Raymonde Moulin donne comme clé » de l’ouvrage l’ admiration [de Pierre-Michel Menger] pour l’activité de création » et explique 61 Je sais la fascination qu’ont exercée sur lui ses interlocuteurs et quel ascétique effort lui a demandé la prise de distance que le sociologue s’impose, par exigence de méthode, à l’égard du milieu observé. » 62Partageant ce principe d’une distance » nécessaire avec son domaine de recherches lors de ses premiers travaux sur l’opéra, Emmanuel Pedler se montre aujourd’hui plus nuancé. Il adopte ainsi une position bien différente vis-à-vis de ses goûts et intérêts musicaux comme moteur » de compréhension scientifique, à propos de la musique italienne des xviie et xviiie siècles. Il estime en outre que le rapport plus ou moins familier et complice à un répertoire et/ou une forme musicale agit en conséquence sur la teneur de l’analyse 63 J’avoue avoir toujours travaillé sur l’opéra Italien et français du xixe avec une certaine distance. J’ai longtemps été persuadé que cette distance était salutaire. Est-ce vraiment le cas ? L’intérêt porté à la forme musicale qu’on étudie est également un bon moteur pour la comprendre de l’intérieur. D’une certaine façon, expérimenter les deux postures – distance vis-à-vis de l’opéra du xixe et goût pour la musique italienne des xviie et xviiie siècles – constitue un dispositif comparatif intéressant. Je note que dans l’un et l’autre cas, les styles des recherches que j’ai développées ont varié significativement, sans doute parce que ces deux chantiers ont été engagés à des moments très différents du déroulement de carrière, dans des contextes intellectuels qui ont bougé, etc.. Dans tous les cas il serait impossible de permuter les deux terrains l’un éloigné, l’autre proche sans modifier significativement les cadres d’analyse mobilisés. » 64Les thématiques des travaux d’Antoine Hennion recoupent ses goûts de manière générale, ainsi des amateurs et de la discomorphose, de Rameau et de ses théories, de l’opéra français, du travail sur Bach. Mais ce rapport à la musique fonde finalement toute sa démarche sociologique et la nécessité de ne pas dissocier l’objet et le goût pour l’objet de l’étude. On l’a vu, pour lui, il n’y a pas d’ objet » – là, en dehors – duquel le/la sociologue devrait se détacher pour mieux l’analyser. Tout se joue dans des rapports d’attachement qui impliquent le/la chercheure. Antoine Hennion a développé à plusieurs reprises la nécessité de revenir sur la fausse évidence de l’injonction de distance et de recul, confondue avec une objectivité critique » qui est aussi une critique de la sociologie critique, comme à propos de l’écoute 65 L’écoute est bien aussi un défi à la sociologie que peux-tu dire de la musique, sans mettre en jeu ton propre amour de la musique, et d’abord, sans écouter toi-même ? Le mot écoute est parfait, pour cela, il évite la dualité du rapport à l’objet s’y connaître ou non, l’aimer ou non, se “faire avoir” en y croyant ou montrer la croyance en l’objet, pour rameuter une large palette d’aspects variés de l’activité musicale l’attention d’un “je”, la présence-référence à d’autres, les effets de la durée, de la répétition, l’appareillage de l’oreille, les instruments de la production sonore, la réaction corporelle et le développement réflexif d’une sensibilité. » 66Outre le choix des thématiques de recherche et la question de la distance et/ou de l’implication, l’incidence du rapport personnel à la musique sur la pratique sociologique s’inscrit ainsi dans la manière même de concevoir la sociologie. Cette incidence peut se traduire encore autrement, ces éléments étant très liés, au travers des questions intellectuelles qui taraudent le/la chercheure mais aussi dans l’écriture elle-même comme le souligne Pierre-Michel Menger 67 Je crois bien avoir trouvé dans la musique au moins deux obsessions le problème de la temporalité et de son architecture logique et sensible, et l’obsession du phrasé, dans l’écriture quand je peux, en mettant l’accent sur les points importants d’une formulation de problème et dans l’exposé oral. » 68Au travers des parcours intellectuels de ces quatre sociologues et de leurs préoccupations de chercheurs, la question du rapport personnel à la musique se trouve posée sous de multiples facettes. Si la pratique musicale vocale ou instrumentale n’intervient pas directement comme contribution à l’enquête [15], à l’entrée sur un terrain et à son exploration comme membre participant d’un milieu professionnel par exemple – ainsi qu’il a été évoqué pour Howard S. Becker et comme de nombreux sociologues à sa suite en useront –, la curiosité et les goûts musicaux constituent des aiguillons et des clefs d’entrée pour la recherche. La proximité avec des univers connus et appréciés, voire pratiqués, se retrouve chez de nombreux chercheurs actuellement. En musique, sans doute davantage que pour les arts plastiques ou la littérature, pratiques artistique et scientifique se trouvent mêlées et font en retour l’objet d’un travail réflexif. Par ailleurs, le caractère réputé impénétrable de la/des musiques pour qui n’y est pas initié et le langage formel et esthétique mobilisé impressionnent toujours. Ainsi, même avertis et amateurs » du genre ou du style considéré, certains chercheurs ne s’autorisent pas à évoquer et à qualifier le matériau musical en propre, pas seulement par crainte d’empiéter sur le domaine de l’esthétique et de la musicologie. Une relation pratique et soutenue à la musique par le chant, une activité instrumentale ou de création musicale engendrerait-elle une déférence moindre que l’écoute de disques et/ou la fréquentation des concerts ? Permettrait-elle une approche familière au plus près du matériau musical ? Et qu’apporterait cette dernière, en particulier pour appréhender – sociologiquement – les œuvres et les processus créateurs ? Si de telles questions épistémologiques ne peuvent être ici tranchées, le positionnement théorique et empirique distinct de chacun des quatre auteurs considérés témoigne de leur – Ce que la musique fait à la sociologie [16]… et à la musicologie69Comme Bruno Péquignot à propos de la sociologie des arts et de la culture 2000, 2009, on peut dire que la sociologie de la musique est d’abord » de la sociologie. Elle lui emprunte ses outils conceptuels et empiriques, ses théories et ses méthodes, qu’elle questionne à l’aune de la spécificité de son domaine de recherche. Elle partage nombre de préoccupations avec d’autres domaines de la sociologie avec lesquels elle croise la réflexion le travail et les professions, pour ne citer qu’un exemple. Par ailleurs, on peut tout aussi bien affirmer que la sociologie de la musique se trouve à la croisée de la sociologie et de la musicologie, ou plus radicalement qu’elle fait partie de la musicologie, des musicologies » comme l’indique Danièle Pistone, musicologue qui a toujours œuvré pour des échanges entre musicologie et sociologie, en insistant sur la multiplicité des démarches approches historiques, analytiques elles-mêmes nombreuses, mais également économiques, sociologiques, psychologiques, anthropologiques… Si le dialogue avec les sciences sociales et les sciences cognitives, notamment, n’est pas du goût de tous les musicologues notamment français, la nouvelle musicologie » anglophone le pratique depuis longtemps. 70Plus qu’un amalgame entre deux disciplines, un mélange dangereux car porteur d’un risque de méconnaissance des outils et des problématiques de part et d’autre, ce croisement disciplinaire – fécond nous semble-t-il – est généralement réalisé selon un ancrage propre à chaque contribution. Chaque discipline apporte à l’autre, mais les objectifs de recherche demeurent distincts. Pour dresser une ligne de partage artificielle, du côté de la musicologie, le but à atteindre réside généralement dans la connaissance de la manière dont un matériau sonne », ce qui peut se traduire par la caractérisation d’un style par exemple. Cela peut impliquer de comprendre comment et pourquoi il sonne comme ça », mais aussi – pour certains chercheurs – ce que ce comme ça » veut dire pour un groupe d’individus à une époque donnée. À tout le moins, il s’agit de qualifier le musical et son organisation. Du côté de la sociologie, il importe souvent davantage de saisir les modalités d’une pratique donnée qui est ou non concerné, comment, dans quelles conditions et dans quel contexte, depuis quand éventuellement, mais aussi quel est le sens donné à cette pratique par les groupes d’individus concernés. Toutes ces questions sont à rapporter – selon nous – au phénomène musical, à la manière dont une musique sonne » et se déploie ; et donc aux processus indissociablement musicaux et sociaux d’élaboration, de qualification et d’appropriation du matériau sonore. Cela implique donc d’interroger les enjeux sociaux, symboliques et esthétiques sous-jacents liés à un phénomène musical en particulier. 71La sociologie de la musique interroge ainsi la musicologie, rejointe en cela par l’ethnomusicologie, en soulignant l’inscription sociale et l’incarnation dans des corps des faits musicaux, au sein de pratiques concrètes de création, de diffusion et de réception, aujourd’hui et dans le passé, pour toutes les musiques. Bien loin d’être un art pur », la sociologie rappelle combien la » musique est ouvragée par des humains. Cette discipline agirait-elle comme mauvaise conscience » de la musicologie en soulignant les aspects que d’aucuns avaient tendance à vouloir oublier au nom de la beauté » formelle ? de l’art pour l’art ? Étudiant les phénomènes musicaux les plus extraordinaires et grandioses » comme les plus banals, des génies » aux musiciens ordinaires », des chefs- d’œuvre » aux musiques d’ambiance, les sociologues peuvent dérouter en s’intéressant à ce qui ne sera pas examiné ni conçu comme musique » par nombre de musicologues. Certains craindront une réduction » sur et par le social, une banalisation mais surtout l’éviction de l’étude de la musique elle-même ». D’autres musicologues, au contraire, mobiliseront la sociologie ou l’ethnologie comme étant indispensables pour saisir la construction même du sonore, en particulier pour appréhender les dispositifs de création et les modalités d’interprétation ; ainsi du rôle de la technologie et de ses acteurs, des effets de l’enregistrement en studio, des supports et des circuits de diffusion, pour les musiques d’aujourd’hui pas seulement populaires » qui conduisent à proposer de nouveaux outils analytiques. 72Quant à la sociologie, les quatre contributeurs de ce numéro montrent chacun à leur manière que partir de la musique opère des mises en question efficientes de la sociologie de la culture, du travail et des professions, de la sociologie en général… En travaillant sur la musique, Max Weber éclaire d’un jour nouveau sa théorie de la rationalisation à l’œuvre en Occident explique Emmanuel Pedler. En outre, dans sa propre contribution à ce numéro, ce dernier montre que les écrits sur la musique de Georg Simmel, mais aussi Alfred Schütz et Maurice Halbwachs, peuvent insuffler de nouveaux développements à la sociologie de la culture qui peine à se renouveler ». D’ailleurs, les travaux qu’il a lui-même menés sur l’écoute, les goûts musicaux et le concert relativisent et nuancent la théorie de la légitimité culturelle, on l’a vu. En montrant l’importance des compétences musicales et les degrés d’ entendement musical », il complexifie et enrichit d’autant l’analyse de l’ancrage social des pratiques culturelles. 73Cette critique de la théorie de la légitimité culturelle, Jean-Louis Fabiani la mène également à partir de la musique ; invalidant la notion d’ art moyen », le jazz mais aussi le music-hall apparaissent comme des territoires propices pour la repenser. Plus généralement, la musique représente selon Jean-Louis Fabiani un objet frontière », un objet qui résiste, qui nous oblige à le contourner et à reconnaître nos limites », sans dissoudre notre identité de sociologue » [17]. Cette conception le conduit à aller à l’encontre d’une visée impériale qui voudrait le déshabiller jusqu’à la moelle dans un dépassement dialectique entre l’interne et l’externe », mettant ainsi en garde la sociologie des œuvres. 74L’angle d’approche de Pierre-Michel Menger diffère sensiblement. L’analyse des professions artistiques lui permet de voir l’émergence d’une nouvelle figure du travailleur, exerçant son activité au fil de projets, par contrat, où s’articulent précarité et engagement, incertitude et motivation, en raison de bénéfices escomptés dans l’avenir. Dans ce cadre, la musique constitue un terrain privilégié d’analyse, balançant entre savant et populaire, et offrant une multiplicité de cas intermédiaires où se font jour tous les degrés d’incertitude et toutes les formes d’appariements [18]. 75En des termes assez proches de ceux de Roger Bastide dans Art et société, Antoine Hennion écrivait quant à lui en 1981 à propos du disque 76 Dans l’histoire des variétés se dessine en creux l’histoire de ceux qui n’ont pas la parole, comme dans la musique se réfugie ce que refoule le pouvoir des mots. Ce plus-de-sens suggère en définitive que nous renversions notre démarche ce n’est pas tant à la sociologie, aux rapports sociaux tels qu’on les connaît, de venir expliquer le sens ou le non-sens de la musique, c’est plutôt à la musique de nous révéler un social inconnu. » 77Plus radical, il affirme plus tard la musique est une sociologie » Hennion, 1993, 365, indiquant par là combien le caractère “insaisissable” de cet art, cette forme culturelle entre science et pratique, pensée et sensation, oblige à considérer autrement l’ objet » de l’investigation scientifique. La question de la médiation vient de la musique, de la réflexion qu’elle suscite il n’existe pas de musique en soi et pour soi, mais toujours dans une relation mobilisant l’observateur, d’autant qu’elle a toujours besoin de se faire réentendre pour exister. Dans le pragmatisme sociologique tel qu’il le prône, les objets nous agissent et la musique modèle la réflexion. 78Pratique du quotidien dans ses formes les plus banalisées sans péjoration et médiatisées, pratique de sociabilité reposant sur un réseau d’institutions pérennes écoles de musique et conservatoires, opéras, orchestres, etc. sans commune mesure avec celles des autres arts, domaine d’activité où s’observent des mutations sociales et économiques d’envergure, la musique apparaît enfin comme un médium doté d’une puissance onirique et d’un pouvoir symbolique remarquables dans notre société. Objet d’identification au sein des jeunes générations, investie de promesses d’émancipation sociale, auréolée de prestige, autant d’exemples effleurés qui évoquent la force des représentations et le pouvoir souvent attaché à la/aux musiques. La sociologie des musiques, les sociologies de la musique constituent un champ d’investigation heuristique et dynamique. Notes [1] Et sans même discuter les propos de V. Jankélévitch. [2] L’article se consacre par conséquent à la France, sans exhaustivité. La mise en perspective des travaux des contributeurs reste à englober dans une perspective internationale plus vaste, au regard de ceux parus en Allemagne, Italie, Grande-Bretagne, aux États-Unis avec la figure primordiale et très présente en France d’Howard S. Becker. Le colloque international sur 25 ans de sociologie de la musique en France » qui s’est tenu en novembre 2008 à la Sorbonne et celui sur la sociologie de la musique qui s’est tenu en juillet 2009 à Lisbonne en témoignent également. [3] Pas seulement pour les musiques dites savantes, le langage tonal étant au fondement des musiques populaires modernes ». L’article d’Antoine Hennion dans ce numéro développe précisément la question de la tonalité » en rapport à la langue et à l’articulation nature/culture. [4] Une immatérialité relative au regard de l’existence des ondes sonores. [5] Ce qui fait le mystère » de la musique tel que pointé par Claude Lévi-Strauss, c’est qu’un art aussi technique et formel, hautement codifié et contraignant, puisse toucher si profondément l’affectivité individuelle selon des modalités si variables, résistant souvent à la formulation. » Donin, Campos, Keck, 2006, 3 [6] Dans cet ouvrage, elle revisite les théories du xixe et du xxe siècles pour montrer les manques dans la construction d’une véritable » approche sociologique des faits musicaux, qui dépasserait l’approche positiviste pour saisir le sensible ». [7] Plutôt que faire de la musique » comme évoqué notamment par Denis Laborde à paraître. [8] Une sociologie de la musique où la musique signifie plus que les cigarettes ou le savon dans des enquêtes de marché ne réclame pas uniquement une conscience de la société et de sa structure, pas uniquement non plus la seule connaissance des phénomènes musicaux à but d’information, mais la pleine compréhension de la musique dans toutes ses implications. » Adorno, 1994, 6. [9] Les trois conférences tenues par des auteurs ne relevant pas directement de la sociologie sont néanmoins publiés par la Revue Française de Sociologie Colloque sur la musique, 1962 deux textes sont ethnomusicologiques, André Schaeffner sur Musique et structures sociales Sociétés d’Afrique Noire » 388-395 et Marina Scriabine sur La musique et la Chine ancienne » 398-406, un troisième émanant d’un critique musical, Boris de Schoelzer, s’interroge sur la manière dont nous écoutons aujourd’hui la musique du passé La musique ancienne et nous » 395-398. [10] Organisé conjointement par Jacques Chailley directeur de l’Institut de Musicologie et plusieurs ministères, cette rencontre de cinq jours ne laisse pas trace d’une réflexion que l’on dirait aujourd’hui sociologique » Paris, Semaines musicales internationales de Paris, 1962. [11] Il faudrait citer bien d’autres publications en dehors de la France, et exceptionnellement rapidement traduites comme Élias, 1991, mais le croisement avec les recherches menées à l’étranger n’est pas toujours réalisé et les comparaisons internationales manquent. En outre, une interrogation de la base web of science » montre que de nombreux travaux en langue française n’y sont pas recensés. Y apparaissent cependant les articles de la revue Poetics, l’International Review of Aesthetics and Sociology of Music ou la Revue de synthèse ayant une entrée sociologie de la musique ». [12] La musicologie française a mis plus de temps à se pencher sur l’analyse de la chanson et des musiques populaires modernes » malgré les travaux pionniers de Jean-Rémy Julien nomment. [13] Le rapprochement de leurs dates de naissance respectives, précisées au fil de la présentation des auteurs, ainsi que des données biographiques rarement abordées permettent de situer ces derniers les uns par rapport aux autres. [14] Les propos qui suivent proviennent d’échanges par courriel de l’auteure en juin et juillet 2009 avec chacun des sociologues, que nous remercions chaleureusement de s’être prêtés à notre jeu de questions. [15] Encore que, à propos de l’écoute, chacun soit bien un amateur » actif. [16] Pour paraphraser Heinich, 1998. [17] Expliquait-il lors du colloque 25 ans de sociologie de musique en France. Ancrages théoriques et rayonnement international », Sorbonne, 6-8 novembre 2009. [18] Comme il l’évoquait également lors du même colloque. 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Laréponse est compliquée mais pour le moment on aurait plus tendance à être réaliste et dire non. Ça n’est pas le style musical en vogue et le classique s’apparente à de la musique de « vieux » que l’on ne peut pas vraiment écouter en groupe. A 22 ans, on n’a certes pas tout vu, tout vécu mais ce qui est sûr c’est que la personne qui souhaitera proposer des

Faire grandir en musique grâce à un parcours artistique exceptionnel, tel est le pari que relève la Maîtrise de Radio France depuis sa création en 1946 par Henry Barraud et Maurice David, avec la contribution de nombreux pédagogues et compositeurs tels que Pierre Capdevielle, Jean Planel, Robert Planel ou Roger Calmel, sur le principe dumi-temps pédagogique » enseignement général le matin et formation musicale l’après-midi dont elle a historiquement constitué l’une des premières expériences en France. Formation permanente de Radio France au même titre que l’Orchestre National de France, l’Orchestre Philharmonique et le Chœur de Radio France, la Maîtrise est régulièrement sollicitée par d’autres formations telles que le Philharmonia Orchestra de Londres, le Bayerische Staatsoper, le City of Birmingham Symphony Orchestra, le Boston Symphony Orchestra, le London Symphony Orchestra and Chorus, et est dirigée par des chefs d’orchestre comme Seiji Ozawa, Daniele Gatti, Myung-Whun Chung, Esa-Pekka Salonen, Semyon Bychkov, Mikko Franck, Gustavo Dudamel, Valery Gergiev, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle, Leonardo García Alarcón ou Kent Nagano. Au travers de ses propres saisons de concerts, la Maîtrise s’attache à mettre en valeur le répertoire choral pour voix d’enfants. Très engagée dans le rayonnement de la musique d’aujourd’hui et dans la création, elle mène une politique volontaire de commande de partitions, notamment dans le cadre de ses activités pédagogiques destinées à développer la pratique chorale sur tout le territoire. Sur ses deux sites, Paris et Bondy, la Maîtrise de Radio France s’impose comme une véritable école d’ouverture et d’excellence. L’enseignement qu’elle dispense forme un cursus intense réunissant des cours de chœur, de chant, de formation musicale, d’harmonie, de piano, de technique Alexander, de pratique corporelle et scénique. Les élèves sont recrutés après des auditions nationales pour le site de Paris, et à Bondy spécifiquement dans le quartier nord de la ville ce site a été ouvert en 2007 dans le cadre du réseau d’éducation prioritaire. Tous les élèves de la Maîtrise bénéficient d’un enseignement totalement gratuit, de l’école élémentaire jusqu’au baccalauréat. Aujourd’hui, la Maîtrise compte près de 180 élèves répartis sur les deux sites et placés depuis 2008 sous la direction artistique et pédagogique de Sofi Jeannin. La Maîtrise de Radio France bénéficie du soutien du Cercle des amis de la Fondation Musique et Radio-Institut de France, de la Fondation BNP Paribas, de la Fondation du groupe ADP, de la Fondation Orange et de la Fondation Safran pour l’insertion. LA SAISON 2022-2023 Au cours de la saison 2022-2023, la Maîtrise de Radio France poursuit ses collaborations régulières avec les autres formations de Radio France. Dès la rentrée elle se produira avec l’Orchestre Philharmonique de Radio France, dirigé par Mikko Franck, dans une œuvre de Gabriel Fauré, puis plus tard dans la saison à la faveur d’un week-end consacré à Howard Shore aux côtés du Chœur de Radio France. Avec l’Orchestre National de France et le Chœur de Radio France, elle se produira sous la direction de Cristian Măcelaru dans la Troisième Symphonie de Mahler à la Basilique de Saint-Denis. Fidèle à son engagement en faveur de la musique d’aujourd’hui, la Maîtrise participe à l’édition du festival Présences 2023, qui met à l’honneur Unsuk Chin, en donnant en création mondiale Urbansong II du jeune compositeur français Bastien David, puis en création française Le Chant des enfants des étoiles d’Unsuk Chin avec l’Orchestre National de France dirigé par François-Xavier Roth. De la musique ancienne à celle d’aujourd’hui, la Maîtrise continue d’explorer un large éventail de répertoires musicaux. Elle propose ainsi au public un regard contemporain et profane sur le temps de Noël lors d’un concert intitulé Le Bruit de la neige » comprenant la création mondiale de deux œuvres de jeunes compositrices françaises, Héloïse Werner et Claire-Mélanie Sinnhuber. Elle invite ensuite à découvrir un programme conçu à partir de la Passion et de la dramaturgie des Ténèbres avec l’ensemble instrumental L’Escadron volant de la Reine, programme qui mettra en écho des pièces de musique baroque et contemporaine, sous la triple direction de Sofi Jeannin, de Marie-Noëlle Maerten et de Morgan Jourdain. Puis viendra un programme romantique français avec piano, Madrigal aux Muses », qui mettra en valeur plusieurs compositrices. Par ailleurs, à l’occasion de la Saint-Valentin, la Maîtrise invite Grégory Privat pour interpréter à ses côtés Gershwin, Weill, Coward… ainsi que des compositions originales dans le cadre d’un ciné-concert qui permettra de redécouvrir un petit bijou du cinéma muet My Best Girl de Sam Taylor. Les concerts donnés à l’Auditorium Angèle et Roger Tribouilloy de Bondy sont l’occasion pour la Maîtrise de présenter des répertoires musicaux originaux avec notamment un programme réunissant des pages majeures de la musique du Moyen-Âge et de la Renaissance espagnole, ou encore, lors du concert Petites histoires naturelles », des pièces mettant en scène différents animaux. Tout au long de la saison, la Maîtrise propose plusieurs concerts destinés au jeune public et au public scolaire avec deux spectacles qui donneront également lieu à la création de podcasts de la série Les contes de la Maison ronde » Brundibar et Les sept corbeaux. Sans oublier la création d’un Opéra de poche commandé à Emmanuelle Da Costa sur le personnage mythologique d’Actéon, dans lequel des marionnettes tiendront une place de choix. Enfin, la Maîtrise contribue à l’enrichissement permanent des contenus du portail numérique de Radio France, Vo !x, ma chorale interactive », destiné à accompagner la pratique du chant choral sur l’ensemble du territoire.

Leson aide à lutter contre le sentiment de solitude, notamment pendant les périodes d’isolement et de quarantaine liées au COVID-19. Une nouvelle étude a révélé que

La musique est un excellent outil contribuant au développement global de l’enfant. Dépendamment du type de musique écoutée, celle-ci peut aider à se défouler, tout comme à se détendre. Elle transmet en plus des émotions, touchant ainsi la sphère affective. La musique contribue également à la motricité fine, aux habiletés cognitives, au langage, à la motricité globale, à la créativité, à la coordination et au côté social. Tout ça, avec de simples sons et quelques notes!À partir du ventre de mamanL’ouïe est le premier sens qui se développe chez l’enfant. De nombreuses études démontrent que la musique contribue à activer le plus de parties du cerveau. Toutes les sphères sont stimulées au travers des un fond musical aux enfants au quotidien est donc de mise. Pendant la période de jeu libre, l’enfant peut ainsi suivre le rythme de la musique en balançant son bloc de bois dans les airs et au moment que la musique arrête, il dépose son bloc. Il le fait parfois même fait inconsciemment et ses petites actions favorisent son la mémoire et le développement cognitifSouvent, l’enfant va mémoriser les paroles d’une chanson qu’il aime. Ce qui lui permet du même coup, de faire de nouveau apprentissage. Le rythme est motivant et lui permet de retenir plus facilement les nouvelles globale et coordinationEn dansant au rythme de la musique, l’enfant adapte ses mouvements au rythme. Favorisant la force musculaire, la coordination, l’orientation spatiale. Le tout, avec plus ou moins d’ et moralBouger au son de la musique, que ce soit par la danse ou au travers de différents jeux, par exemple, la chaise musicale, tourner en rond en se tenant la main, etc., favorise les enfants à interagir entre eux et permet une meilleure adaptation à la vie langagePendant que l’enfant écoute les paroles d’une chanson ou qu’il chante, la perception auditive, la mémoire et la conscience phonologique sont activées. Tout comme la reconnaissance des mots. Bien sûr, chanter ou simplement faire de petits sons avec la bouche, pratique du même coup l’articulation pour la prononciation des fineJouer de la musique améliore la coordination œil-main tout en favorisant la créativité. Ainsi, laisser libre recours à son imagination en laissant l’enfant griffonner au son de la musique, sans but précis. Simplement le laisser aller avec le rythme est une autre façon de pratiquer la motricité fine. Même sans crayon, simplement bouger le bout des doigts comme pour battre la des transitionsUne petite chanson lorsque les enfants se lavent les mains, pour inviter les enfants à venir s’asseoir, avant la lecture de l’histoire, pour encourager les enfants à s’habiller, etc. Les enfants aiment et trouvent souvent cela rigolo. Les paroles leur indiquent quoi faire et les motivent davantage à suivre. Même le petit poupon sautillera sur ses fesses à entendre de simples sons pour venir se joindre au études le prouvent, un enfant ayant été en contact avec de la musique, dès son tout jeune âge, aura plus de facilité à s’adapter lors de son entrée à l’école. Car sa concentration, son esprit d’écoute, sa coordination auront été sollicitées. La musique a tellement de bienfaits. Amusez-vous à en écouter, en fredonner, à en faire vous-même! Ne serait-ce qu’avec des casseroles, en tapant du pied ou en frappant des mains. Rien de très compliqué! En toute simplicité!Activités au travers la musique et les sons disponibles connexesLaisser un commentaire Tu as des idées complémentaires, des expériences à partager, des commentaires? Je t'invite à les partager!

CeRamadan a commencé le dimanche 5 mai et la période de jeûne se poursuivra jusqu’au mardi 4 juin. La période est également définie par la prière ainsi que par les dons aux œuvres de charité, et de nombreuses règles et coutumes l’entourent. Mais les musulmans ont-ils le droit d’écouter de la musique pendant le Ramadan, ou la musique est-elle haram (interdite) ? La

Il est prouvé que l'apprentissage d'une discipline artistique pendant l'enfance, comme la musique, présente de nombreux avantages pour les petits. Quels sont les bienfaits de la musique comme forme d'apprentissage ? Découvrez-les dans cet musique comme forme d’apprentissage est de plus en plus intégrée dans l’éducation des enfants. En effet, elle a un impact très positif sur les différentes étapes de leur développement personnel. Il s’agit de l’une des activités les plus emblématiques pour les enfants, car elle mélange leur plus grande motivation, le jeu, avec l’apprentissage sous diverses formes langage, mathématiques, capacités psychomotrices, socialisation et créativité, entre bienfaits de la musique comme forme d’apprentissageLa musique est un allié idéal pour que les enfants apprennent tout en s’amusant. En soi, elle comporte de nombreux avantages. Nous les détaillons ci-dessous 1. La mémoireLa musique développe la mémoire. Celle-ci peut être stimulée par tous nos sens et surtout par l’ouïe. En écoutant des mélodies, les émotions et les sentiments qui y sont liés seront réactivés dans le La créativitéLa musique comme forme d’apprentissage développe la créativité et le jugement artistique des enfants. En particulier, la musique classique s’est avérée très efficace pour stimuler l’ votre enfant joue d’un instrument, écouter la musique de ses camarades sera également une grande source d’inspiration pour composer ses propres La musique est anti-stress et anxiétéEn effet, la musique est plus efficace et plus saine que tous les anti-dépresseurs. Car elle possède un effet relaxant aussi bien sur le corps que sur l’ les moments de stress, apprendre de la musique peut aider à trouver le sommeil et à se détendre. Le plaisir d’écouter ou de jouer de la musique favorise la sécrétion des endorphines. Celles-ci aident à surmonter les anxiétés générées par les conflits de la vie Jouer d’un instrument de musique aide à se concentrerEcouter de la musique avant de travailler sur une tâche importante augmente la concentration et l’attention. Néanmoins, il est recommandé de le faire avec des mélodies instrumentales car elles sont beaucoup moins distrayantes que les interprétations pas que jouer d’un instrument de musique est une excellente manière de travailler l’attention et d’améliorer les capacités de La musique est une source de joieLa musique comme forme d’apprentissage est un excellent moyen d’améliorer la confiance et l’estime de soi. Pour les musiciens, jouer devant un public conquis est, par exemple, une grande source de joie. De même, pour les amateurs de musique, écouter leurs chansons favorites aide le cerveau à sécréter la dopamine, la molécule du Capacités intellectuellesChez les jeunes enfants et les adolescents, la musique augmente les capacités intellectuelles et sensorielles. Une éducation musicale dès le plus jeune âge contribue à un meilleur développement cognitif. Cela affectera également les capacités intellectuelles, la mémoire ou la créativité. Ces compétences permettent d’obtenir de meilleurs résultats dans des matières comme les mathématiques, la lecture ou l’écriture.“L’enseignement qui laisse des traces n’est pas celui qui se fait de bouche à oreille sinon de coeur à coeur”-Howard G. Hendricks-7. Sensibilité et empathiePratiquer régulièrement d’un instrument de musique permet de développer deux qualités nécessaires pour un bon épanouissement personnel la sensibilité et l’empathie. Ces deux vertus sont les forces motrices dans l’apprentissage de la guitare, du piano ou de tout autre instrument, et même de la Le langageLa musique partage une zone du cerveau avec le langage. Le cerveau de l’enfant ne fait pas la différence entre les deux parce qu’il apprend des mots à travers la musique. De plus, l’écriture musicale, avec ses symboles inscrits sur la portée, facilite l’apprentissage d’autres Raisonnement logico-mathématiqueLa musique est composée de rythmes et de pauses, de divisions de temps, de variations d’intensité, entre autres. En d’autres termes, il s’agit de mathématiques conséquent, cela facilite l’apprentissage des mathématiques puisqu’elle stimule les capacités d’analyse, de synthèse et de raisonnement. En outre, la musique aide à structurer les modes de La musique favorise la maîtrise du corps et la psychomotricitéElle stimule le développement psychomoteur des enfants. L’apprentissage et la connaissance du rythme à travers la percussion ou les instruments exige un processus de coordination et de maîtrise des mouvements qui se complète par la lecture de la ailleurs, écouter de la musique favorise une bonne posture de la colonne Les émotionsLa perception de la musique est universelle. Elle permet d’expérimenter une grande variété de sentiments. Un bon exemple est que certaines sensations peuvent être mal interprétées par le langage et sont parfois plus faciles à interpréter à travers la Le facteur de socialisationLa musique comme forme d’apprentissage favorise un climat de collaboration et de respect. Non seulement quand les enfants écoutent mais aussi quand ils jouent et créent pour les autres de manière individuelle ou collective. Le fait de s’écouter soi-même et de faire attention aux autres encourage l’ouverture et la réceptivité aux relations L’estime de soiApprendre à jouer de la musique requiert des efforts et de la persévérance. Des valeurs qui semblent parfois disparaître de nos jours. Le travail permet d’atteindre des réussites musicales qui gratifient les enfants et leur donnent un sentiment de fierté. De plus, le fait de jouer en public permet de surmonter certaines peurs et de gagner en cette liste constituée des bienfaits de la musique comme forme d’apprentissage vous aidera à comprendre l’importance de cette activité. A partir de maintenant, vous pouvez envisager d’introduire des activités musicales qui stimulent l’épanouissement personnel de votre pourrait vous intéresser ... waYVQB.

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ecouter de la musique pendant le jeune