Enregardant les coups de pinceau de Vermeer en 3D, nous apprenons entre autres comment Vermeer appliquait ses touches de peinture. Nous pouvons voir et mesurer la hauteur des petits points et des

La Peinture de Paysage Il est difficile de considérer la peinture de paysage comme un genre unique. La peinture religieuse, la nature morte ou les scènes de genre sont facilement reconnaissables parce qu’elles portent des thèmes immuables. La peinture religieuse dépeint des sujets religieux, la nature morte se compose de plateaux de fruits, de gibier, de fleurs etc… Et on appelle peinture de genre les scènes de vie anecdotiques ou familières. Si l’on suit cette logique, la peinture de paysage serait, comme l’évoque son titre, une représentation de la nature. Eh bien non! Du moins, pas directement. Il faudra attendre le XIXe siècle pour qu’un paysage peint soit vraiment un paysage une nature sauvage, sans hommes. Sans hommes? Oui! Car voilà, la peinture de paysage, indissociable de l’homme, est le résultat direct de notre conception de la nature à travers les époques. A la croisée des découvertes scientifiques, des bouleversements sociaux, des diktats esthétiques se trouve la peinture de paysage. Révélée par les Flamands , antiquisée par les Italiens, bouleversée par les Britanniques, harmonisée par les Chinois, immortalisée par les Français… La peinture de paysage est un courant voyageur qui se niche peu à peu dans les esprits pour atteindre des sommets aux XIXe et aux XXe siècles. I- Les fondations de la peinture de paysage La plupart des civilisations fondatrices s’expliquent la création du monde par des manifestations divines. La nature, issue de leur création est vue à travers le spectre de la divinité… Les débuts de la peinture de paysage occidentale Bien qu’on date la naissance de la peinture de paysage dès l’antiquité égyptienne, celle-ci n’y apparaît qu’à un stade embryonnaire. Chez les égyptiens, les éléments de nature sont principalement symboliques et leur représentation est par conséquent très codifiée. La nature étant, par définition irrégulière, il était peu probable qu’elle trouve une liberté propre dans cette forme de peinture. Une nuance est à noter pour l’Empire Romain, empire connu pour son goût de la terre et de l’expansion. Plusieurs fresques de villa romaines dévoilent une végétation parfois luxuriante, mais la peinture de paysage garde essentiellement une fonction décorative. D’ailleurs, Ovide et ses Métamorphoses sont une source essentielle pour comprendre la conception de la nature dès l’Antiquité. La nature est considérée comme un lieu de résidence privilégié pour les dieux. Ce qui explique la fonction décorative du paysage qui est là pour mettre en valeur la divinité. Le Banquet d’Achelous par Rubens et Jan Brueghel I, 1615, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtLa fonction décorative du paysage de Rubens et Brueghel rappelle clairement les textes de leurs prédécesseurs latins. La nature enchanteresse prend la forme de voûtes d’architecture à l’arrondi parfait, donnant une noblesse directe aux créatures divines. Chaque élément naturel est l’attribut ou le symbole d’un ou d’une divinité. Par exemple, les coquillages symbolisent Achelous, dieu de la Rivière. Vitruve le bâtisseur de la peinture de paysage occidentale Vitruve est le premier architecte Romain dont les textes nous soient parvenus. Son traité De Architectura », théorise l’utilisation de la nature dans les arts peinture, architecture, théâtre etc. Vitruve parle de Topia » dérivé de “topiarus” jardinier. Topia désigne un jardin, soit un lieu naturel transformé par l’homme selon sa fantaisie. Dans son traité, il incite à sélectionner les éléments naturels ceux qui sont beaux et qui servent à la compréhension de la scène. Son approche de la nature profondément architecturée aura un impact colossal dans l’évolution de la peinture de paysage en occident. Vitruve mis en Français par Ian Martin, “Architecture ou art de bien bâtir”,1547, Metropolitan Museum of Art Cette illustration exprime parfaitement le point de vue de l’architecte latin. Les hommes prélèvent dans la nature les éléments qui leur serviront à bâtir une structure esthétiquement parfaite et ordonnée. La Chine à la recherche d’une harmonie esthétique En Chine, La peinture de paysage est indissociablement liée à la poésie et la littérature. Ensemble, elles forment les trois disciplines du pinceau. La technique est différente qu’en occident mais le concept est le même prélever dans la nature le beau, et reconstruire une harmonie paysagère… Le ShanShui est un type de peinture ancestral, maîtrisé par les peintres lettrés qui devient dominant sous la dynastie des Yuan 1279-1368. Shan veut dire montagne et Shui eau, mis bout à bout ils forment le mot paysage. Le Shanshui est un art d’assemblage, c’est à dire que les artistes vont exécuter de manière séparées les composantes de leur peinture, puis les regrouper, pour arriver à une harmonie idéale et ainsi former le futur ShanShui. Le ShanShui est inévitablement lié à l’homme puisqu’il s’accompagne d’une réflexion poétique. C’est un paysage de méditation et de contemplation supposé provoquer l’apaisement des esprits et ouvrir la voie à la sagesse. L’homme, à travers cette nature idéale, s’engage dans un parcours initiatique, sinueux comme la montagne. De nombreux ShanShui sont également destinés à glorifier leur empereur, la montagne prend ici un symbole de solidité politique. Paysage dans le style de Zhao Boju, 1654, encre sur papier, Metropolitan Museum of ArtLa différence entre un ShanShui et la peinture de paysage occidentale réside dans la perspective. Le ShanShui est en fait une superposition de plans appelés lointains contrairement à la peinture occidentale qui, dès la Renaissance, utilise la fameuse perspective linéaire règle du point de fuite. Le ShanShui étant incroyablement symbolique, son point de fuite se trouverait au sommet de la montagne, point culminant de cette quête initiatique. Le Moyen-Âge quand l’or recouvre les paysages Le Moyen-âge est connu pour ses fonds d’or hérités de la tradition byzantine. La peinture médiévale étant principalement religieuse et très codifiée, le fond d’or est associé au divin. Dieu est considéré comme étant à l’origine de toutes choses, la nature n’a pas besoin d’être peinte puisque Dieu est nature. On peut néanmoins soulever une volonté d’évolution avec certaines fresques de Giotto, primitif italien qui cherche à décorer ses fonds d’une manière plus terrestre et annonce ainsi les bouleversements de la Renaissance. Peintre napolitain, L’Adoration des Mages,1340/43, Tempera sur bois, Metropolitan Museum of Art Ce retable est exécuté par un primitif napolitain grand admirateur de Giotto. Même si le paysage prend ici une valeur symbolique, on observe déjà une volonté de délaisser le fond d’or au profit d’une exploration paysagère. Ce tableau est très intéressant parce qu’il nous montre parfaitement cette transition. II-Les Flandres ou la Révélation de la peinture de paysage La Renaissance fragmente les croyances de toutes parts. Les frontières s’écartent. On découvre que la terre fait partie d’un système solaire. On découvre de nouvelles terres. La conception de la nature s’en voit grandement modifiée. C’est dans les Flandres que l’on trouve ce nouvel intérêt pour le paysage… Comment expliquer une telle avancée de la part des flamands? La réforme protestante C’est l’émergence du protestantisme dans les Flandres qui pousse au développement de la peinture paysagère. Calvin condamnant la peinture sainte comme de l’idolâtrie, on privilégie désormais une relation plus discrète entre le fidèle et Dieu. C’est ainsi que les peintres des Flandres se mettent à explorer de nouvelles thématiques pour vendre leurs toiles. La peinture de paysage va dès lors se répandre et atteindre un grand succès. La réforme humaniste la période du XVe siècle tire son inspiration d’Érasme et se veut propice aux réflexions sur la nature humaine. C’est là toute la force de la Renaissance qui admet son ignorance et va chercher de nouvelles explications, plus scientifiques à ses croyances. Tous ces questionnements vont faciliter l’utilisation du paysage comme allégories des réflexions humaines. Avec les grandes expéditions menées à cette époque, la soif de terres inexplorées lance un nouvel intérêt pour la nature et les paysages. Les horizons sont plus vastes, les esprits aussi et cela se ressent sur les toiles. C’est également à cette même période que l’on découvre des lois mathématiques qui vont révolutionner la proportion dans la peinture. Mises en application, ces règles peuvent aussi expliquer une plus grande facilité dans l’art de peindre la nature. Albrecht Durer, Erasme de Rotterdam,1526, Gravure, Petit Palais, Musée des Beaux Arts de la Ville de Paris Joachim Patinier, Saint-Jérôme Pénitent,1512/15,huile sur bois, Metropolitan Museum of Art. Même si les sujets religieux restent les acteurs principaux de ce triptyque, la place accordée au paysage est impressionnante. Bien évidemment, c’est un paysage imaginé de toutes pièces. C’est d’ailleurs Patinier qui poussera à la popularisation dudit Paysage-monde » c’est à dire une immensité naturelle dans laquelle se déroule une scène religieuse rendue anecdotique par sa taille. C’est aussi au même moment dernier tiers du XVe siècle que se répand la production de globes terrestres, cette curiosité sur le monde et sur le lointain pourrait expliquer de la part des flamands cette volonté d’englober » le plus de paysage possible. Le mystère du peintre des petits paysages Peintre et graveur non identifié à ce jour, Il est connu pour ses gravures de paysages en tous genres. Autrefois identifié comme Brueghel car, imprimé par le grand Jérôme Cock, il reste à ce jour l’inconnu parmi les peintres mais le maitre parmi les paysages. Maître des petits Paysages, Vue de Village,1550/60, plume et encre brune L’âge d’or néerlandais du XVIIe siècle Au dix-septième siècle, les Provinces Unies, libérées du joug espagnol vont traverser une envolée tant sur le plan économique et social que politique et artistique. leur activité commerciale qui avait déjà fait leur réputation va prendre un nouvel essor et de nouvelles classes sociales vont s’imposer. Une bourgeoisie et une riche paysannerie sont à l’origine dit-on du marché de l’art moderne qui fera fleurir l’activité des peintres. Mais surtout, ces nouveaux commanditaires auront des centres d’intérêts directement liés à leur réussite sociale ce qui fera triompher les peintures de genre et de paysage sur les peintures d’Histoire jusqu’alors indétrônables. restons cependant modérés quant à notre propos, car la peinture d’Histoire conservera une place majoritaire! La demande va être telle, que les peintres constitueront des stocks » de peintures classées par genre pour satisfaire ces nouveaux clients. Il serait cependant trompeur de penser que ces paysages étaient effectués sur le motif en pleine nature, les artistes flamands les constituaient en atelier selon leur fantaisie. Jacob Van Ruisdael, Paysage avec un Village Lointain, huile sur bois, 1646, Metropolitan Museum of ArtVan Ruisdael immense paysagiste hollandais peint ce paysage à dix-huit ans. Ses paysages faisant preuve d’une grande sensibilité serviront souvent d’exemple aux romantiques. En témoigne cette remarque d’Eugène Fromentin“De tous les peintres hollandais, Ruysdaël est celui qui ressemble le plus noblement à son pays. Il en a l’ampleur, la tristesse, la placidité un peu morne, le charme monotone et tranquille.“ La cartographie Le XVIIe siècle pour les Flandres, c’est aussi l’âge d’or de la cartographie. Ce n’est pas anodin si Vermeer peint “Le Géographe” ou “l’Officier et la Jeune Fille”. Une profusion de mappemondes, de globes et d’atlas se répandent, facilités par l’imprimerie. Cartographier implique l’observation de territoires pour se repérer de manière précise dans ce monde aux frontières encore floues. Hors, l’observation des territoires sous-entend l’observation de la nature étude topographique. La cartographie a donc joué un rôle dans l’intérêt pour les paysages. Johannes Vermeer, La femme au Luth,1662/63, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art La carte de l’Europe à l’arrière plan couplée au regard de la jeune femme par la fenêtre pourrait sous-entendre qu’on s’intéresse désormais à ce qu’il se passe au dehors. Carte du Monde, Jan de Visscher d’après Nicolaes Pietersz Berchem, 1670/80, Rijksmuseum III- L’Italie des ruines à la reconstruction C’est en Italie, précisément avec Antoine Carrache, qu’on définit la peinture de paysage comme genre à part entière au XVIe siècle. Les Frères Carrache vont notamment s’appuyer sur le principe défendu par Vitruve qui préconisait de corriger par la peinture les petits défauts de la nature . C’est ainsi que se développa une réelle esthétique paysagère, thème si cher aux italiens dans leur inlassable quête du beau . Le Paysage Idéal Des enseignements de Vitruve découle le fameux paysage idéal ». un paysage embelli selon les codes esthétiques du XVIe siècle. Un exemple frappant pourrait être la popularité du thème de l’Arcadie. L’Arcadie est une terre légendaire de la Grèce antique, célébrée dès la Renaissance pour l’harmonie de ses paysages et le bon vivre de ses bergers. Ce thème sera si populaire qu’une Académie de l’Arcadie se créera à Rome en 1690. Rappelons nous que Topia était utilisé par Vitruve pour désigner un lieu aux proportions idéales et harmonieuses. En 1516, c’est l’humaniste Thomas More qui invente le mot Utopia » sorte de paradis imaginaire révélateur de cette nouvelle attirance pour la terre idéale. Il y avait donc un lien étroit entre le pays et le paysage milieu naturel. Paysage arcadien, 1700, Alessandro Magnasco, huile sur toile, Art Institute of Chicago Une parenthèse française en pleine Italie C’est cependant le français Nicolas Poussin qui a tout de même passé la majeure partie de sa vie à Rome qui reste connu pour ses Bergers d’Arcadie ». Lui et le peintre Claude Lorrain ont largement contribué à développer l’art du paysage. En effet, particulièrement à cette époque du XVII e siècle qui a vu la montée d’un académisme puissant, la hiérarchie des peintures étaient plus que jamais en vigueur. Au sommet la peinture d’histoire et ses scènes bibliques et mythologiques. Jusqu’à présent, le paysage était un support, un agrément qui valorisait la peinture d’histoire. Poussin et Lorrain ont donc fait preuve d’une grande ingéniosité. Même si le titre du tableau continue d’évoquer des thèmes nobles », on assiste à une véritable inversion. C’est le thème mythologique qui sert désormais de prétexte à l’exploration paysagère. Poussin et Lorrain sont un bon exemple d’artistes qui voyagent. Déjà instigué pendant la Renaissance, les voyages et l’intérêt pour la culture étrangère vont se développer. L’Italie sera une fois de plus mise en lumière. Entre ruines romaines et urbanisation, de nouveaux sous-genres attenants à la peinture de paysage vont se développer. Nicolas Poussin, Orion aveugle cherchant le Soleil, 1658, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Ici Poussin s’amuse même à confondre Diane avec les nuages. Qui est le plus mis en valeur? Diane ou les nuages? Le goût de Poussin pour les paysages se reflètera énormément dans ses dernières peintures Les Quatres Saisons. Claude Lorrain, La Campagne Romaine, 1639, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Les Vedute Puisque les analogies entre les Flandres et l’Italie sont indispensables lorsqu’on parle de peinture de paysage, permettons nous une légère évocation des Flandres. Vermeer dévoile sa Vue de Delft » en 1661. Le plus beau tableau du monde » selon Proust n’est autre qu’un magnifique exemple de veduta. Pour ce faire, Vermeer aurait possiblement utilisé une camera obscura », un instrument optique qui reçoit la lumière émise par des objets pour reformer ces objets en position inversée. On plaçait dedans une lentille convexe pour rétablir le sens des objets. L’utilisation de la camera obscura sera largement reprise par le peintre vénitien Canaletto au XVIIIe siècle. Les XVIIe et XVIIIe siècles sont marqués par des voyages aristocratiques d’éducation et de découverte intitulés Grand Tour». Les destinations étaient majoritairement La France, les Pays-Bas, l’Allemagne, la Suisse et évidemment l’Italie. C’est ainsi que les voyageurs découvrent les ruines qui parcourent les paysages italiens. Cette période considérée comme le point de départ de l’histoire du tourisme aura un effet majeur sur la promotion des vedute et de la peinture de paysage en général. De nombreux aristocrates vont vouloir rapporter des souvenirs » de leur voyage. C’est là toute la modernité de ces vedute car, cette-fois-ci, c’est le paysage lui-même auquel on s’intéresse. Le peintre Canaletto et les autres védutistes feront fortune en commercialisant leurs vues de Venise. Canaletto, Le Grand Canal de Venise, 1730, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Exemple d’une projection de Camera Obscura Abelardo Morell, Vue de Brooklyn dans la chambre de Brady, 1992 Dessin de Camera Obscura, Encyclopédie, 1762/77, Deferht Des paysages en ruines Capricci ou vedute ideate ! Le triomphe des peintures architecturales Sacrés coteaux, et vous saintes ruines,Qui le seul nom de Rome retenez,Vieux monuments, qui encor soutenez L’honneur poudreux de tant d’âmes divines, » Joachim Du Bellay, Les Antiquités de Rome, 1558 Nouvelle exploration du paysage idéal, le capriccio est la représentation d’un paysage imaginaire. Francisé en caprice » il s’oppose à la représentation fidèle du vedute et est tout droit issu de la fantaisie du peintre. Depuis la Renaissance, on observe une grande redécouverte des ruines romaines . Ce qui va déclencher une véritable fascination esthétique et jeter les bases de la future architecture classique. De cet attrait pour les vestiges va émerger une peinture architecturale. Les sujets mythologiques étant toujours au sommet de la pyramide infernale des peintures, c’est une belle astuce consciente ou inconsciente que d’antiquiser » le paysage pour le rendre plus noble. Francesco Guardi, Paysage Fantastique,1765, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Francesco Guardi, Vestiges de Colonnades, 1780/90, stylo et encre brune, Metropolitan Museum of Art IV- L’Angleterre une percée essentielle dans la peinture de paysage La fin du XVIIIème et le XIXe siècle se fondent sur une série d’expérimentations et de bouleversements rapides. Ils seront traversés par de nombreux mouvements aussi bien littéraires que politiques, artistiques que scientifiques est le premier pays européen à avoir enclenché sa révolution industrielle. Peut-être sa relative stabilité politique lui a-t-elle permis de prendre une telle avance ! L’expérimentation qui frappe ce siècle dans tous les domaines entraîne une exploration fondamentale dans la peinture. L’Aquarelle ou “l’Eau des Peintres” Jusqu’ici, l’Angleterre n’avait pour ainsi dire pas vraiment pris part à notre épopée de la peinture de paysage. En bonne observatrice, elle s’imprégna des peintures italiennes et françaises Grand Tour mais également et surtout flamandes. Monarchie désormais constitutionnelle, Les rois et reines britanniques commissionnent de nombreux grands peintres Flamands et Germaniques d’effectuer leur portrait ce qui aura pour rôle de diffuser les œuvres de ces mêmes peintres. Hors, nous avons vu que la peinture de paysage s’était déjà lovée quelques siècles plus tôt dans le cœur des flamands. N’oublions pas que, l’Angleterre n’est plus catholique depuis 1534. Tout comme les flamands, les anglais ont développé de nouveaux thèmes de peinture, plus en adéquation avec leurs croyances. Durer réalisait des aquarelles de paysages, et l’Angleterre n’est-elle pas considérée comme l’inventeur de l’aquarelle moderne » ? la diffusion de la peinture à l’aquarelle jouera un rôle considérable dans l’histoire de la peinture. Sans elle, l’Angleterre n’aurait peut-être pas eu son monstre sacré… William Turner La virtuosité de Turner en a fait un génie de la peinture. Inspiré par Claude Lorrain et Nicolas Poussin, Turner rejoint parfaitement notre propos car c’est un artiste qui voyage. Plus que ça, c’est un grand paysagiste. Il travaillera dès l’âge de quatorze ans pour l’architecte Thomas Hardwick et effectuera de nombreux dessins et croquis de paysage ce qui lui donnera le goût de poursuivre dans cette voix. Bien que la biographie de Turner soit lacunaire, on le définit comme un grand randonneur qui partait muni de son carnet de croquis et trouvait dans la nature toute son inspiration. Cette attitude d’artiste solitaire se reflète dans un grand courant artistique de la même époque le Romantisme. Avant toutes choses, il est important de clarifier notre emploi de tous ces termes généraux qui sont apparus de plus en plus nombreux au XIXe siècle Romantisme, Réalisme, Naturalisme etc. Tous ces termes nous serviront de facilité d’explications mais ne doivent en aucun cas enfermer un artiste ni lui retirer sa singularité. Le Romantisme donc, apparaît initialement en Angleterre et en Allemagne en réaction aux normes strictes et mesurées du classicisme. Ce mouvement va se diffuser rapidement et aura un succès considérable dans toute l’Europe et même en Amérique du Sud. Les livres vont désormais s’emplir de personnages contradictoires aux passions déchaînées. Ces personnages souvent solitaires et incompris trouveront justement leur compréhension dans la nature qui, par ses forces cycliques et ses accès changeants représente directement les sentiments éprouvés par les romantiques. Le romantisme allume donc un projecteur sur l’immensité naturelle, mais la peinture de paysage reste inévitablement attachée à la condition humaine. Le Voyageur contemplant une mer de nuages de Friedrich en est presque un exemple métonymique. En effet, c’est le voyageur qui contemple la nature et pas autrement. Si le titre avait été La mer de nuages au voyageur » la peinture de paysage aurait pris une tournure différente, mais le Romantisme ne peut se détacher de la condition humaine qui est au cœur de ses préoccupations. Pour revenir à Turner, on le décrit souvent comme un romantique en raison de l’extrême sensibilité de ses peintures et ses couleurs poétiques et déchaînées. Turner est le premier à mélanger aquarelle et peinture à l’huile donnant un rendu embué, flouté qu’on interprète souvent comme annonciateur de l’impressionnisme. Turner, Saltash, 1811, huile sur toile Metropolitan Museum of Art Turner, Soir de déluge, 1843, huile sur toile, Washington National Gallery of ArtIl est intéressant ici d’observer la liberté progressive que prend Turner qui se détache des formes réalistes inspirées par Lorrain et Poussin pour arriver à ce triomphe de substances et de textures qui lui est si particulier. L’expérimentation qui frappe le XIXe siècle se ressent jusque dans les palettes. C’est d’ailleurs assez révélateur de l’opposition scientifique qui traversait l’Europe au XIX e siècle. Entre la science du tangible et du matériel et la science s’intéressant aux formes immatérielles et abstraites. Turner s’apparentant de plus en plus à l’abstrait en fin de carrière, c’est incontestablement Constable qui, en parallèle, s’affiche comme le maître du paysage réaliste. John Constable Profondément inspiré par son prédécesseur paysagiste Thomas Gainsborough, Constable réussit à hisser la peinture de paysage à une noblesse encore jamais atteinte. Il sera très influent notamment en France Delacroix l’admirera beaucoup. Constable est aussi représentatif d’une génération de la révolution industrielle qui voit ses paysages changer rapidement et s’urbaniser, et qui trouve dans la nature un refuge à ce vacarme industriel. Constable réalise de nombreuses esquisses en pleine nature avant de peindre. C’est un peintre qui prône la beauté pure du paysage c’est à dire à son état originel. Cette conception aura un impact conséquent sur la peinture de paysage. Nous sommes désormais loin des paysages idéalisés de Vitruve et Pline l’Ancien, la beauté se trouve directement sous n’importe quelle haie et dans n’importe quelle prairie ». Thomas Gainsborough, Paysage de Montagne, années 1780, craie noire et blanche estompées sur papier bleu-gris John Constable, 1825, la Cathédrale de Salisbury, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Parenthèse américaine Dans la jeune nation américaine se forme le désir se se détacher des conventions picturales européennes et de créer un style à part entière. Dans un pays aussi vaste aux terres encore en friche, les paysages s’affirment comme sujet de prédilection. Thomas Cole, Le Méandre, 1836, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtOn voit bien ici les éléments qui préfigurent la pensée nord-américaine. Un immense paysage encore en friche mêlé à la douceur d’un ciel presque divin offrant à la scène une lumière dorée. Aller à la conquête de terres inconnues sous l’égide directe du Ciel Dieu. Les guerres qui marquent le XIXe siècle interrompent le phénomène du Grand Tour » ce qui poussera les anglais à voyager directement dans leurs campagnes . C’est ainsi que nous sont parvenues les plus belles toiles de paysages anglais, écossais et nord irlandais. L’Angleterre peut enfin se vanter d’avoir eu son heure de gloire. Inspirée par la progression anglaise, la France la suivra de peu, sa révolution industrielle se déclare quelques temps après, sa révolution picturale aussi… V-La France et son autre révolution » La France depuis le XVIIIe s et encore plus au début du XIX siècle est frappée par un académisme indétrônable. Des peintres illustres comme Jacques Louis- David ou Thomas Couture forment aux Beaux Arts les futures générations de peintres. La peinture française à cette époque se définit par ses règles. C’est l’apothéose de la peinture d’histoire, de peintures militaires glorificatrices, de portraits de grandes figures de la noblesse. Le paysage est complètement laissé à l’abandon. Jacques Louis David, La Mort de Socrate, 1787, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art L’Ecole de Barbizon Les détachés de l’Académie » A l’époque où le Salon Officiel décide du verdict de chaque peinture, la côte du paysage est très basse. Certes, en 1816, le prix du paysage historique » fut ajouté par l’Académie Française au prix de Rome, mais le paysage s’inscrivait encore dans une vision architecturée ou idéalisée. Théodore Rousseau 1812-1867, réalise de nombreuses esquisses en pleine nature et propose des paysages réalistes en opposition complète avec les paysages académiques » jusqu’alors tolérés. Cela lui vaudra de nombreux rejets du Salon. Pourtant, plusieurs facteurs vont finir par projeter le paysage au devant de la scène. En 1824, le Salon de Paris expose de nombreuses toiles de maîtres paysagistes anglais notamment John Constable. Ce Salon peut avoir apporté un début d’ouverture d’esprit quant à la beauté et l’appréciation des espaces naturels. De plus, depuis le XIXe siècle, la course à l’industrialisation est lancée dans toute l’Europe. Les productions massives des usines enfument les villes. Plusieurs artistes dont Théodore Rousseau voudront fuir ce brouhaha industriel . Ils trouveront justement leur refuge dans la forêt de Fontainebleau ou le paisible petit village de Barbizon. D’autant que le développement des lignes de chemins de fer permettait à de plus en plus d’artistes de venir facilement s’y ressourcer. L’École de Barbizon n’est pas à proprement parler une école. C’est d’abord une communauté d’artistes qui s’est retrouvée tout au long du XIXe siècle à partager des valeurs communes et qui ont fait avancer les codes instaurés par l’académie. Ils se retrouvaient à l’Auberge de Ganne pour refaire le monde de la peinture et partager leurs découvertes et leur enthousiasme. L’auberge de Ganne est aujourd’hui un musée absolument dédié aux peintres de Barbizon. Le terme fut ensuite élargi à tous les artistes qui ont trouvé en la forêt de Fontainebleau un sujet d’inspiration. L’invention et la mise en service du tube de gouache en 1841 va également faciliter la peinture en plein air en la rendant tout simplement possible et permettra une créativité nouvelle que sauront capter les impressionnistes. Peut-être fallait-il l’industrialisation pour redécouvrir la nature ? Le courant des peintres de Barbizon pave la voie aux futurs impressionnistes. C’est une véritable fracture qui se crée dans la peinture académique française et qui apporte aux peintres une plus grande liberté dans le choix de leurs thèmes. Théodore Rousseau, L’ Orée du Bois à Monts-Girard,1852/54, huile sur bois, Metropolitan Museum of Art Quelques artistes incontournables de “l’Ecole de Barbizon” Jean François Millet, Meules de foin, Automne 1874, huile sur toile, Metropolitan Museum of Art Millet, qui mettra toute son ardeur dans la peinture paysanneest tenu comme exemple de nombreux peintres. C’est le peintre préféré de Van Gogh. Camille Corot, Le Batelier,1865, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtLe Batelier de Corot a la poésie venteuse de sa fin de carrière. Corot s’est formé auprès de Valenciennes, peintre de paysages néoclassiques. Il inspira considérablement les impressionnistes. L’impressionnisme enfin ! Une bouffée d’air frais dans la peinture de paysage Monet, Degas, Sisley, Renoir, Cézanne, ces noms sacrés qui résonnent encore aujourd’hui comme des maîtres incontestés de la peinture. Pourquoi l’impressionnisme est-il devenu le mouvement pictural le plus célèbre ? Animés par le même désir de rupture, ces artistes ont su tirer profit de leur statut de marginaux. Le Salon des Refusés autorisé en 1863 par l’empereur Napoléon III permet justement à des artistes comme Manet ou Pissarro de faire voir leurs œuvres rejetées par le Salon de l’Académie des Beaux-Arts. Soutenus par le marchand d’art visionnaire Durand Ruel et le photographe Nadar, ils sauront se créer une place incontestable dès les années 1880. L’apparition de la photographie a d’ailleurs eu un impact considérable dans l’histoire de la peinture. Sa popularisation arrive en même temps que l’impressionnisme et libère les peintres et leur toiles de cette préoccupation coupable qu’était la recherche de réalisme. La photographie remplissant parfaitement cet office, la peinture peut dès lors s’adonner à de nouvelles explorations que ne peut pas faire la photographie. L’impressionnisme brise les contours trop finis » du néoclassicisme et du réalisme. A l’heure où la science découvre que le monde est en réalité composé d’une infinité de petites particules en vibration, les impressionnistes introduisent une nouvelle sensibilité dans leurs toiles. C’est une peinture de l’instant, aussi fugace soit-il. Il ne s’agit plus de peindre la réalité telle que nos yeux la voient, non, la science venait de prouver la capacité limitée de notre acuité visuelle. Il s’agit d’arriver à une harmonie de composition qui donne une impression. Impression, ce terme qui se voulait dépréciateur de la part du critique Louis Leroy a en réalité marqué à tout jamais le monde de la peinture. L’impressionnisme vient chercher ce qui se cache derrière le réel. Renoir l’exprime parfaitement dans cette phrase restée célèbre Un matin, l’un de nous manquant de noir se servit de bleu l’impressionnisme était né ». L’impressionnisme est donc à la fois une esthétique distincte et un mouvement. En quoi est-ce fondamental pour la peinture de paysage ? Parce qu’en plus de révolutionner la manière de peindre, les peintres impressionnistes vont bousculer d’autres codes. Ils réaliseront d’immenses tableaux de paysage sur des formats d’ordinaire réalisés pour des genres plus nobles ». C’est ainsi que le paysage gagnera ses lettres de noblesse. Pierre Auguste Renoir, Jeune Fille au Bain, 1892, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtRenoir est un maître incontesté de la lumière. Ses paysages et ses figures ont la brillance pâle de la nature s’adapte ici au mouvement des cheveux de la jeune fille et nous donne une grande impression de fraîcheur. Les impressionnistes procédant par “touches”, c’est sûrement avec Renoir qu’on peut parler de grain de peau”. Ici, plus de combat entre la nature et le sujet, les deux se complètent pour former l’Impression. Camille Pissarro, Peupliers, Eragny, 1895, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtCamille Pissarro a la minutie d’une dentellière. Pourquoi y a t- il autant de lumière dans les tableaux impressionnistes ? C’est qu’ils maîtrisent les ombres à la perfection. Leurs touches sont aussi folles et harmonieuses que la nature. Les impressionnistes observent les paysages avec un œil nouveau, un œil libre. Nous nous arrêterons aux impressionnistes parce que c’est à ce moment précis que la peinture de paysage a pleinement été libérée et a atteint le sommet des genres. Évidemment, le XXe siècle, siècle d’accentuation est fascinant dans le domaine du paysage. Quant au XXIe siècle, siècle de déclinaisons et d’impertinences, le paysage reste toujours un thème de prédilection. Cependant, ces deux siècles mériteraient un article complet et une approche différente. Conclusion Celui qui veut relater l’histoire de la peinture de paysage devra comprendre la logique qui se cache derrière. Un genre qui serpente entre les règles, les interdictions et les préceptes des académies. Patience, voilà le fin mot qui conclue l’histoire du paysage. Beauté de l’ombre, la nature s’immisce peu à peu dans les toiles, instiguée par les peintres qui ne peuvent renier son potentiel esthétique. Si l’histoire de la peinture de paysage est aussi riche, c’est qu’elle est indissociable des premières préoccupations humaines l’homme est inséparable de son environnement. Au fur et à mesure des compréhensions, la nature des peintres change de style, devient plus folle. Ce n’est qu’au XIXe siècle qu’on reconnaît officiellement sa toute puissance dans la peinture. Officieusement, et si l’on s’intéresse aux peintres en profondeur, on ressent souvent que la nature les attire, les appelle. N’oublions pas que jusqu’à très tard, les commanditaires réclamaient des peintures d’Histoire ou des portraits. Nos peintres, s’ils voulaient survivre n’avaient donc souvent guère le choix. Mais, certaines toiles ne trompent pas. C’est le cas de cet inclassable… El Greco, Vue de Tolède,1597-1599, huile sur toile, Metropolitan Museum of ArtParfois considéré comme un expressionniste avant l’heure, El Greco donne à ce chef d’œuvre le même regard orageux qu’ont ordinairement ses figures. Le paysage semble torturé. Tolède se tord sous un ciel bleuté, électrique. Cette œuvre reste inclassable tant dans son temps que dans son genre. Bibliographie Paysages Entre Nature et Histoire Pierre Wat, Pérégrinations L’Art des Paysages Nils Buttner, Citadelles et Mazenod Fables du Paysage Flamand, Alain Tapié, Michel Weemans, Somogy Editions d’Art Découvrez une sélection d’objets en lien avec l’article

VERMEERJohannes – La laitière, 1659, Rijksmuseum, Amsterdam. Inespéré. J’ai réussi à me glisser au premier rang, coincé entre un homme grisonnant, deux femmes attentives, et un groupe de touristes. La servante la plus célèbre au monde est devant moi. La célébrité de cette petite toile n’est pas usurpée : on ne voit qu

ParJoséphine Bindé • le 16 mai 2018. Chaque mois, Beaux Arts délivre la leçon d’un artiste et vous initie aux secrets de la création. Pour ce troisième épisode, place au pointilleux Paul Signac, théoricien du néo-impressionnisme initié par Georges Seurat : une peinture faite de minuscules pointes de couleur juxtaposées avec une

Encore jusqu’au 22 mai 2017, vous pouvez admirer l’exposition Vermeer et les maîtres de la peinture de genre au musée du Louvre à Paris. Elle réunit quelques 81 toiles de genre, dont douze tableaux de Johannes Vermeer, un tiers de son œuvre connu à ce jour. L’exposition couvre la période de 1650 à 1675 du Siècle d’or néerlandais et cherche à définir les relations d’émulation et de concurrence entre les plus grands peintres de genre tels que Gerard ter Borch, Gerard Dou, Gabriel Metsu, Frans van Mieris, Jan Steen, Pieter de Hooch et Johannes Vermeer. Comment est-ce que ces maîtres ont emprunté aux œuvres de leurs pairs pour les imiter voire les surpasser ? La concurrence entre ces nombreux artistes a fortement contribué au niveau de raffinement et à la richesse de la peinture de genre hollandaise de cette période. Vermeer et les maîtres de la peinture de genre. Catalogue de l’exposition au musée du Louvre à Paris. Louvre éditions / Somogy éditions d’Art, 2017, 448 pages, 300 illustrations. Commandez ce livre chez La couverture du catalogue d’exposition montre la fameuse toile La Laitière de Vermeer. Elle peut normalement être admirée au Rijksmuseum à Amsterdam. Adriaan E. Waiboer explique bien au début de son article “Vermeer et les maîtres de la peinture de genre” qu’il est tentant de penser que La Jeune fille au collier de perles de Johannes Vermeer représente la femme de l’artiste à sa toilette. Ce scénario est bien séduisant, pourtant la principale source d’inspiration de Vermeer n’est pas cette vision impromptue d’une scène de vie de couple dans sa maison de Delft, mais un voyage de l’artiste à Leyde où il a pu admirer la Femme à son miroirde son éminent collègue Frans van Mieris, achevé un ou deux ans plus tôt et figurant une femme de profil attachant son bijou. Quant à Frans van Mieris l’Ancien, il n’avait non plus spontanément demandé à sa femme de prendre cette pose ; il avait trouvé son inspiration dans la toile Jeune femme à sa toilette de Gerard ter Borch, qui, une dizaine d’années plus tôt, avait peint une femme devant son miroir, absorbée par ce qu’elle faisait, aux prises avec un nœud de son corset. Les similitudes dans le sujet, la composition et les poses des figures montrent que Frans van Mieris avait bien étudié le tableau de Gerard ter Borch pour préparer le sien. Adriaan E. Waiboer écrit que les chefs-d’œuvre des grands maîtres exposés au Louvre montrent des scènes qui paraissent si naturelles qu’on a l’impression que les artistes avaient directement sous leurs yeux les figures, les objets et le cadre architectural qu’il dépeignaient. Les similitudes de styles, de sujet et de technique ne sont pas des coïncidences. Selon notre auteur, elles permettent d’en déduire que les peintres avaient l’habitude d’admirer et d’examiner les tableaux de leurs confrères et d’y puiser leur inspiration, souvent pour essayer de les surpasser en vraisemblance, en virtuosité technique et et qualité esthétique. La concurrence des ces grands artistes a permis au troisième quart du dix-septième siècle de représenter l’apogée de la peinture de genre hollandaise. Adriaan E. Waiboer explique que la qualité et la popularité sans précédent de ces œuvres sont le résultat des évolutions économiques, sociales et artistiques qui se produisent vers 1650. La force financière des Pays-Bas commence à décliner au milieu du siècle, mais les grandes familles commerçantes continuent de s’enrichir considérablement. Cette classe privilégiée ressent de plus en plus le besoin de se distinguer par son raffinement et son luxe matériel. Elle se distingue par l’habillement, le comportement et les résidences. En outre, elle souhaite un type d’art qui corresponde à l’image qu’elle a d’elle-même Herman Roodenburg The Eloquence of the Body. Perspectives on Gesture in the Dutch Republic, 2004, p. 9-29. La peinture de genre des Pays-Bas de la période 1650-1675 répond parfaitement à cette demande. Cette âge d’or prend une fin abrupte. La troisième bataille navale des Pays-Bas avec l’Angleterre coïncide avec le début de la guerre franco-hollandaise de 1672. Les marchés de l’art et les villes autres d’Amsterdam en sont profondément affectés. L’économie des Sept Provinces s’effondre. De nombreux artistes font faillite. C’est la fin de l’âge d’or hollandais ainsi que de l’apogée de la peinture de genre. Adriaan E. Waiboer décrit comment la représentation de la lumière et de l’espace dans la peinture de Johannes Vermeer est celle des peintres de Delft, mais ses sujets, ses figures et ses compositions sont souvent des variations sur les tableaux de Gerard ter Borch et de Gerard Dou, mais également de Nicolaes Maes, Frans van Mieris et Pieter de Hooch. Quant à Pieter de Hooch, il mélange des idées puisées à Rotterdam et à Delft et aussi chez Gerard ter Borch, ainsi que chez Frans van Mieris, Johannes Vermeer et Gabriel Metsu. Et ainsi de suite. Adriaan E. Waiboer étale le tableaux des échanges d’idées, de sujets, d’influences entre ces artistes éminents. Par exemple les intérieurs très éclairés de Pieter de Hooch ont influencé certaines des premières scènes de genre de Johannes Vermeer. Par la suite, on observe l’inverse, que Pieter de Hooch adopte des sujets et des compositions de Johannes Vermeer, notamment dans l’œuvre Couple avec Perroquet1675-1678 qui se trouve à Cologne au musée Wallraf-Richartz. Les artistes trouvaient donc non seulement l’inspiration chez leurs aînés, mais également parfois chez les peintres plus jeunes qu’eux. Pour la seule période 1650-1675, les chercheurs de l’exposition ont trouvé plus d’un millier de liens entre des tableaux des dix-sept principaux peintres de genre. Les emprunts sont multiples. Par exemple les thèmes, les styles, les techniques, les matériaux, l’ordre formel composition, pose, disposition des figures, des types faciaux et des expressions. Les peintres empruntaient à leurs confrères des animaux, des intérieurs, des meubles, des décorations murales, des costumes, etc. Les artistes apportent souvent des modifications aux sujets qu’ils empruntent. Ils prennent des détails, des objets, des personnages, ils les ajoutent dans un autre contexte ou utilise une autre perspective. Selon Adriaan E. Waiboer, des indices montrent que les peintres de genre découvraient le travail de leurs confrères en étudiant les originaux, notamment dans leurs ateliers et chez les propriétaires de leurs œuvres, et non pas à travers des reproductions, gravures et estampes, etc. Certains artistes étaient également des marchands d’art. Vermeer et Netscher complétaient ainsi leurs revenus. Il est également important de noter que ces peintres de genre ne s’intéressaient pas vraiment à la représentation de la vie quotidienne, mais à des images séduisantes et assez stéréotypées. Les autres essais du catalogue essaient d’expliquer l’évolution de la relation entre la peinture de genre et les écrits sur l’art au dix-septième siècle Arthur Wheelock ainsi que les motivations qui poussent les peintres à réagir constamment aux œuvres de leurs confrères Eric Jan Sluijter, dressent le panorama des transferts d’objets et d’animaux que l’on observe dans les tableaux Marjorie Wieseman, analysent comment ces peintres se situaient les uns par rapport aux autres dans le choix de leurs techniques picturales et de leurs couleurs Melanie Gifford et Lisha Deming Glinsman, dévoilent les relations personnelles entre les artistes, leur familiarité avec les œuvres de leur confrères, les prix des œuvres et les profils des acheteurs Piet Bakker, et s’intéressent aux étrangers qui ont visité les Provinces-Unis et les maîtres de la peinture de genre Blaise Ducos. Bref, ne manquez en aucun cas cet exposition-événement au musée du Louvre, organisée en collaboration avec la National Gallery of Ireland et la National Gallery of Art de Washington, ainsi qui le catalogue qui accompagne l’exposition de ces vraies-fausses scènes de la vie quotidienne au dix-septième siècle ! Vermeer et les maîtres de la peinture de genre. Catalogue de l’exposition au musée du Louvre à Paris. Louvre éditions / Somogy éditions d’Art, 2017, 448 pages, 300 illustrations. Commandez ce livre chez

^{Ense fondant sur les travaux les plus récents qui ont menés sur Vermeer et sur un examen comparatif des pratiques du peintre et des théories artistiques formulées en son temps, mais aussi sur une confrontation systématique de ses oeuvres avec celles de ses contemporains, cet ouvrage propose de sortir de cette alternative en mettant l'accent, pour la première fois, sur la Devenez un pro de la Peinture de Chat en quelques séances En savoir plus Peinture par Numéro Chat aux Yeux Bleus Peinture par Numéro Chat aux Yeux Bleus Il semble caché par une fleur, mes ses yeux bleus comme la glace vous ont repéré Son pelage noir de jais le contraste avec la végétation aux couleurs hivernales. Son regard est perçant mais sa prudence le garde encore à son pos... €18 VOIR Peinture par Numéro Chaton Roux Peinture par Numéro Chaton Roux Mais que fais-tu là haut ? N'as tu pas le vertige ? Vite ! 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Le Chat multicolore présent en premier plan est tout bonnement incroyable il est rayé de bleu, de jaune, de rouge, de vert ou encore d'... €29 VOIR Peinture par Numéro Chat Blanc aux yeux bleus Peinture par Numéro Chat Blanc aux yeux bleus Dévoilez la beauté d'un regard félin en peignant la profondeur du bleu de ses yeux Toute la toile se concentre sur ces yeux, tourné vers un objectif indéfini, qui dans leur profondeur, emmènent celui ou celle qui s'y plonge. ... €16 VOIR Peinture par Numéro Chat au Goûter Peinture par Numéro Chat au Goûter Vous avez sûrement quitté la table à la hâte, car voici un chaton qui en profite pour inspecter votre goûter Avec une tasse de lait et des biscuits Oreo, votre animal de compagnie sait qu'il a à porté de patte un encas succulen... €18 VOIR Peinture par Numéro Chat Stylisé Peinture par Numéro Chat Stylisé Libérez-vous du Stress avec votre Peinture de chat stylisé Abusez des apports positifs de la peinture sur votre santé et repoussez les tensions subies durant votre journée. Durant une bonne pratique picturale, vos muscles nerve... À partir de €19 VOIR Peinture par Numéro Chats sur le Titanic Peinture par Numéro Chats sur le Titanic Jack et Rose ne sont pas les seuls à être allés à l'avant du Titanic, deux félins ont aussi osé respirer l'air du large Les bras en croix, le nez pointé vers le haut, les yeux fermés pour ressentir le vent passer à travers le p... À partir de € VOIR Peinture par Numéro de Chat Facile Peinture par Numéro de Chat Facile Vous pensez ne pas être doué de vos dix doigts ? Laissez-vous convaincre du Contraire avec la Peinture par Numéros ! Ce magnifique chat au regard levé vers son maître ou est-ce son déjeuner ?.. n'attend que votre coup de poig... À partir de €19 VOIR Peinture par Numéro Chat Kawaii Peinture par Numéro Chat Kawaii Personne ne résiste devant un Adorable Chaton qui vous miaule dessus ! Prouvez-le avec le Chat Kawaii qui vous observe avec ses énormes yeux. Avec son pelage brun et orange, ce mignon kawaii en japonais a d'énormes pupilles q... À partir de €25 VOIR Précédent 1 2 3}

Sivous regardez la peinture de Gerard Ter Borch, un contemporain de Vermeer, vous verrez le savoir-faire, l’habilité et l’intelligence de la main qui permet d’arriver à une précision qui touche au trompe l’œil. C’est millimétrique. Les points de peinture, les touchers de peinture sont à l’échelle de tous petits pinceaux.

Johannes ou Jan Van der Meer, dit Vermeer ou Vermeer de Delft, baptisé à Delft le 31 octobre 1632, et inhumé dans cette même ville le 15 décembre 1675, est un peintre baroque néerlandais Provinces-Unies. Actif dans la cité hollandaise de Delft rattachée à la maison d’Orange, Vermeer semble avoir acquis en son temps une réputation d’artiste novateur, et avoir bénéficié de la protection de riches commanditaires. Mais une notoriété qui s'est essentiellement cantonnée aux limites du territoire provincial qui était le sien, une production de faible ampleur, évaluée à quarante-cinq tableaux maximum en vingt ans, ainsi qu'une biographie longtemps restée obscure — d'où son surnom de Sphinx de Delft » —, peuvent expliquer pourquoi le peintre tombe dans l'oubli après sa mort — si ce n'est auprès des collectionneurs éclairés. Vermeer n'est réellement mis en lumière que dans la deuxième moitié du XIXe siècle, à partir du moment où le critique d'art et journaliste français Théophile Thoré-Burger lui consacre une série d'articles publiés en 1866 dans la Gazette des beaux-arts. Dès lors, sa réputation, soutenue par les hommages que lui rendent les peintres, notamment impressionnistes, et les écrivains, tel Marcel Proust, ne cesse de s'amplifier. Ses tableaux font l'objet d'une véritable traque, rendue plus vive encore par leur rareté, et attirant la convoitise des faussaires. Parmi les trente-quatre qui lui sont actuellement attribués avec certitude — trois autres faisant encore l’objet de discussions —, La Jeune Fille à la perle et La Laitière comptent désormais parmi les œuvres les plus célèbres de l'histoire de la peinture, et Vermeer est placé, avec Rembrandt et Frans Hals, au rang des maîtres du Siècle d'or néerlandais. Cette fortune tant critique que populaire est confirmée par l'affluence des expositions qui lui sont consacrées, et est alimentée par l'utilisation publicitaire de ses œuvres, ainsi que par des succès de librairie et du box-office. Vermeer reste essentiellement connu pour ses scènes de genre. Celles-ci présentent, dans un style qui conjugue mystère et familiarité, perfection formelle et profondeur poétique, des intérieurs et scènes de la vie domestique, pour figurer un monde plus parfait que celui dont il a pu être le témoin. Ces œuvres de la maturité présentent une cohérence qui les rend immédiatement reconnaissables, et qui se fonde notamment sur des associations de couleurs inimitables — avec une prédilection pour l'outremer naturel et le jaune —, une grande maîtrise du traitement de la lumière et de l'espace, et la combinaison d'éléments restreints, récurrents d'un tableau à l'autre. On connaît peu de choses de la vie de Vermeer. Il semble avoir entièrement été dévoué à son art dans la ville de Delft. Les seules informations à son sujet proviennent de certains registres, de quelques documents officiels et de commentaires d’autres artistes ; c’est pour cette raison que Thoré-Bürger le surnomme, quand il le redécouvre en 1866, le Sphinx de Delft ». En 1989, l'économiste de formation John Michael Montias, après avoir publié une étude socio-économique sur le marché de l'art dans la ville de Delft au XVIIe siècle, entreprend d'écrire une biographie de Vermeer à partir de ses études antérieures et d'un patient travail de recherche d'archives Vermeer and His Milieu A Web of Social History redonne ainsi du relief à la personne du peintre, en apportant des éclairages essentiels sur sa vie et l'histoire sociale de son temps. Ceci fait partie de l'article Wikipédia utilisé sous licence CC-BY-SA. Le texte intégral de l'article est ici →

Sivous souhaitez peindre sans scotch des finitions type encadrement de porte ou encadrement de fenêtre sans dépasser, c'est tout à fait possible, vous aurez juste besoin pour cela d'un pinceau à réchampir, et d'un minimum de patience et de minutie ! Trempez votre pinceau à réchampir dans le pot de peinture (n'ayez pas peur d'en mettre

Un avis éclairant de Daniel Arasse; histoires de peintures La jeune fille à la Perle, la Dentellière peuvent faire évoquer la silencieuse puissance de la peinture selon le mot de Delacroix. On a dit que la peinture de Vermeer était réaliste, mais il s’agit plutôt d’une peinture de la réalité. Courbet illustre plus le réalisme. Vermeer est considéré aujourd’hui comme le plus grand peintre hollandais avec Rembrandt. De fait il était très célèbre de son temps, recevait des visites d’amateurs étrangers et donc l’idée du génie méconnu est totalement fausse. Il meurt pauvre sans aucun doute mais surtout en raison de la baisse des revenus des terres de sa belle-mère, car il ne peint pas pour vendre, sa production reste stable tout au long de sa vie d’artiste, environ trois à quatre tableaux par an, ses tableaux sont en dépôt à l’extérieur de son atelier. Vermeer est un catholique convaincu, vivant à Delft, dans le coin des papistes », minoritaire dans ce pays protestant. Il travaillait avec une camera obscura » en usage à l’époque, mais en l’utilisant de manière déplacée une chambre noire mal réglée avec des gouttes de diffusion lumineuse, formant des taches de lumière sur une surface brillante et réfléchissante. On a parlé de son pointillisme mais ces taches apparaissent plutôt sur des surfaces non réfléchissantes comme la mie de main sur le tableau de la Laitière. Donc pas de réalisme ! Vermeer est un peintre profondément réfléchi. Il peint flou avec des pinceaux très fins, ce qui peut paraître curieux et il interpose des obstacles entre le spectateur et la figure qu’il représente. Pourtant ses thèmes sont très courants pour l’époque , il ne se distingue pas par l’originalité des sujets mais la façon de les traiter. Il peint des scènes d’intérieur , jamais l’extérieur à de rares exceptions près, le spectateur est invité dans le dedans du dedans, c’est à dire l’intime dans le privé. Mais cette intimité semble inatteignable , bien que très proche, selon des constructions de perspective propres à Vermeer la ligne de perspective est proche du niveau de l’œil des figures peintes , mais toujours plus bas. Nous nous retrouvons très près du regard du personnage mais nous ne le partageons pas. Sur la Dentellière seul le fil est d’une extrême netteté, tout le reste est flou. Nous regardons l’ouvrage mais pas ce qu’elle voit , nous ne voyons pas la dentelle qui est pourtant l’objet du tableau en Hollande du XVIIe siècle. Nous sommes exclus du secret du personnage, seul le tableau en est le dépositaire. Sur la Liseuse, les obstacles sont représentés par une table au premier plan, avec un tapis et un panier de fruits. Un rideau vert , sujet assez courant pour l’époque, peint par Vermeer en modifiant sa composition pour cacher un tableau accroché au mur, rideau tiré jusqu’au point de fuite de la construction géométrique. Nous voyons donc du caché. Sur l’Atelier du peintre qu’il nommait lui-même l’Art de la peinture, est représenté un peintre vu de dos devant une carte géographique , en train de peindre une allégorie de l’Histoire. Peinture classique, peinture d’histoire et peinture de connaissances démontrées. Ce tableau , Vermeer ne l’a jamais montré à personne, il ne l’a pas vendu. On y voit un peintre peignant son modèle, vu de dos. Curiosités dans l’observation il en est à l’esquisse, il utilise un appuie-main. Or Vermeer ne faisait jamais d’esquisses préparatoires, et l’appuie main n’est pas utile à cette étape. En outre il est habillé avec des vêtements passés de mode au moins quarante ans plus tôt. La carte géographique est magnifique mais illisible en raison de son éclairage. L’aspect lumineux des choses est un paradoxe magnifique , la peinture éblouit les connaissances de ce qu’elle montre. C’est la métaphysique de la lumière, l’expression d’une lumière spirituelle qui rejoint sa foi catholique. La peinture a la possibilité d’incarner quelque chose, et c’est sans doute là, la clé du mystère de Vermeer. AchetezVermeer Lot de 6 pinceaux de peinture - 3,8 cm - Pinceaux biseautés pour toutes les peintures et taches au latex et à l'huile - Pour rénovation de la maison - Utilisation intérieure

AccueilArtsLe chef-d’œuvre de Vermeer a été passé à la loupe durant 48 heures, à la joie des conservateurs et du grand public.“Elle a tout de même 356 ans cette Jeune Fille“, rappelle Émilien Leonhardt au sujet du célèbre modèle peint par Vermeer en 1665. “Et c’est assez incroyable de se dire qu’elle a résisté à tout ce temps, des guerres, des feux, des tremblements de terre et on aimerait qu’elle soit encore visible dans de bonnes conditions dans 300 ans”, justement dans ce but que lui et Vincent Sabatier ont été appelés, en 2018, à participer au projet “Girl in the Spotlight”, sur demande du musée néerlandais Mauritshuis. Deux ans plus tard, les résultats de leur analyse microscopique sont tombés. C’était la première fois depuis 1994 que le tableau était analysé, et ce par une petite dizaine d’équipes différentes et leurs technologies à rayons X, infrarouge ou UV par exemple.Émilien Leonhardt et Vincent Sabatier de la firme Hirox, dédiée à la microscopie numérique ont ainsi examiné La Jeune Fille à la perle en public, afin d’aider les conservateurrices du musée à “examiner la surface du tableau, les techniques et matériaux utilisés et leur provenance”. Pendant 48 heures, ils ont passé l’œuvre à la loupe à l’aide d’un microscope de très haute précision, une caméra montée sur un système de lentille haute résolution et une optique au grossissement Mauritshuis leur avait demandé quelques inspections microscopiques de l’œuvre. Émilien Leondhardt en a profité pour aller plus loin en scannant l’intégralité, proposant ainsi le plus grand panorama du monde d’un tableau avec un tel niveau de détails. Le panorama en question est constitué de dix milliards de pixels de quatre microns chacun sachant qu’un micron est égal à un millième de millimètre et 9 100 photos comprenant chacune cinquante images. En une nuit, le logiciel a donc capturé près d’un demi-million de photos du précision inéditePour percer à jour les secrets du tableau, l’équipe a installé un double système d’éclairage une lumière latérale et une lumière annulaire pour éviter le reflet du vernis. Ensuite, et “pour faire simple”, précise Émilien Leonhardt, le logiciel a scanné “en serpentin” le tableau sur plusieurs axes, de gauche à droite, de haut en bas et en profondeur. Cet examen en trois dimensions a permis de révéler les secrets de la création du tableau “L’inspection au microscope 3D Hirox nous a montré des détails de la fille que nous n’avions jamais observés auparavant. À un grossissement de 35 fois, nous pouvons voir les poils individuels de ses cils et à 140 fois, les particules de pigment qui donnent à la peinture sa couleur. En regardant les coups de pinceau de Vermeer en 3D, nous apprenons entre autres comment Vermeer appliquait ses touches de peinture. Nous pouvons voir et mesurer la hauteur des petits points et des doubles points qui rendent la texture de ses vêtements si réelle”, rapporte Abbie Vandivere, conservatrice au révélations ouvertes au grand publicCette analyse microscopique menée en 2018 est inédite pour plusieurs raisons d’une part pour la taille et la qualité du panorama créé, mais aussi et surtout pour l’accessibilité de ce dernier. Émilien Leonhardt a mis en ligne ce panorama lourd de dix milliards de pixels grâce à un système semblable à Google Maps, permettant de zoomer très précisément sur des zones du tableau depuis son ordinateur ou même son téléphone. Ainsi, le projet vise le public très averti des spécialistes autant que le grand étude s’inscrit dans un projet de longue durée comparer les résultats de 2018 à ceux de 2050 pourrait permettre de comprendre les effets des restaurations du tableau ainsi que le vieillissement de l’œuvre comme “la propagation des craques, si les pigments changent de couleur ou les réactions chimiques”, énumère Émilien du projet, souligne-t-il, était de “montrer l’inspection en temps réel au public, de partager quelque chose qui est habituellement caché et de mettre en lumière l’intérêt et l’importance du travail des restaurateurs qui gardent en vie des œuvres se dégradant avec le temps”.Le site présentant les résultats de cette analyse met à disposition le tableau entier ainsi que dix zones davantage zoomées à 140 fois contre 35 fois pour l’œuvre entière, où un pixel équivaut cette fois-ci à un micron. De quoi se balader au plus proche de La Jeune Fille à la perle, en deux dimensions ainsi qu’en trois, afin de presque s’imaginer toucher sa texture, avec les yeux, et d’entrer un peu dans la tête du peintre, même à distance et trois siècles et demi plus pouvez retrouver les vues microscopiques et 3D de La Jeune Fille à la perle voir aussi sur Konbini

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